Aquesta activitat es troba inclosa dins el II FESTIVAL DE MIRADAS DE MUJERES / MAV
27/2/13
Feminismo[s], teorías de género y políticas artísticas. Seminari del "II Festival de Miradas de Mujeres" a la Fundació
Seminari taller "Feminismo[s], teorías de género y políticas artísticas" que impartirà Piedad Solans el proper dimecres 6 de març a la Fundació Pilar i Joan Miró.
Aquesta activitat es troba inclosa dins el II FESTIVAL DE MIRADAS DE MUJERES / MAV
Aquesta activitat es troba inclosa dins el II FESTIVAL DE MIRADAS DE MUJERES / MAV
Drástico recorte del Consell a la cultura - Diario de Mallorca
Diario de Mallorca
Drástico recorte del Consell a la cultura
rosa ferriol. palma Un año más la cultura se ha visto mermada en las cuentas públicas del Consell de Mallorca. El vicepresident Joan Rotger presentó ayer los presupuestos de Cultura, Patrimonio y Deportes, que ascienden a 21,8 millones de euros, un 5,42% menos que en 2012. El mayor tijeretazo se aplica en el capítulo de promoción cultural, que pasa de 2,58 millones del ejercicio anterior a 1,4 millones previstos para este 2013, un 45,5% menos.
Una de las instituciones más afectadas por los recortes es la Orquestra Simfònica de Balears ya que la aportación del Consell baja a 200.000 euros, cuando en 2012 la partida destinada fue de 650.000 euros. Rotger justificó esta caída en que su departamento hace dos tipos de aportaciones: la económica y otra "en especias" ya que la banda ensaya y tiene un programado un ciclo de conciertos en el Teatre Principal. Las tijeras también se han aplicado en Es Baluard, que pierde 150.ooo euros por el camino y en 2013 cuenta con 250.000 de la institución insular. La divulgación científica es otra de las afectadas. A pesar de liderar los descubrimientos a nivel español, el Observatori Astronòmic de Mallorca se queda con la mitad, ya que el departamento de Rotger destina 50.000 euros al planetario. Por su parte, la inversión en normalización lingüística cae un 40% y la partida suma 530.402 euros.
Otro de los titulares de estas cuentas del departamento insular es que se ponen fin a las subvenciones nominativas. Así, por ejemplo, desaparecen las partidas a la Fira del Teatre de Manacor, Sa Xarxa de Teatre Infantil i Juvenil o al Festival Chopin de Valldemossa, entre otras. En cambio, se hacen distintas convocatorias globales como la de ayuntamientos para ferias de teatro que asciende a 50.000 euros o la destinada a actividades musicales como festivales dotada con 60.000 euros. También se fomentan las actividades musicales modernas con 30.000 euros. El vicepresident concretó que espera poder publicar todas las convocatorias de ayudas en abril.
Pocos cambios en la Fundació Teatre Principal, que este año maneja una dotación de 4.075.029 euros frente a los 4,1 millones de 2012. De dicha cantidad, hay que destinar 1,6 millones a sufragar el préstamo de amortización de las obras de reforma. Aunque en la rueda de prensa el vicepresident remarcó que "destina este año más inversiones que nunca al fomento de los espectáculos teatrales" al dedicar 391.250 euros, la realidad es muy diferente si se comparan las partidas desglosadas de 2013 y 2012. En números redondos, en el ejercicio anterior la inversión en teatro ascendió a 619.250, un 37 % más que ahora. Así, se reduce la partida al Teatre del Mar y debe conformarse con 20.000 euros, diez mil menos. Se abre una convocatoria destinada a ferias de teatro para asociaciones dotada con 20.000 euros y otra para empresas de producción teatral de 200.000 euros. Las entidades del teatro amateur obtendrán 21.250 euros, un 56% menos.
Como novedad, remarcó Rotger, Vicepresidencia presenta una partida de 100.0000 euros para la convocatoria de actividades culturales destinada a los ayuntamientos para organizar exposiciones, actos musicales, fomentar la cultura popular... Esta asignación, destacó, responde a la "vocación municipalista que caracteriza al Consell".
Subidas
En las cuentas de Vicepresidencia no todo son recortes, también hay incrementos de partidas como la de bibliotecas, archivos y museos que este año cuenta con 669.011 euros, un 14,5% más. Con este dinero se adquirirán fondos bibliográficos y audiovisuales para suministrar a las bibliotecas de la Xarxa Mallorca. Las actividades culturales en estos sitios doblan la partida y suman 80.000 euros, mientras que las publicaciones pasan de 20.000 a 35.000 euros. Como novedad, se abre una convocatoria de 30.000 euros para infraestructuras en bibliotecas.
El Museo Krekovic contempla una subida del 13,72% con 48.225 euros, de los cuales 11.531 son para actividades culturales ya que este edificio reabrirá sus puertas el Día Internacional de los Museos, en mayo. Para el tercer centenario del nacimiento de Fra Juníper Serra se destinan 60.000 euros y el programa de Cultura en Xarxa recibe 32.000 euros más al quedarse con 90.000 euros.
La Fundació Cases Museu percibe la misma asignación de 289.000 euros. El Centre Internacional de Fotografía Toni Catany se queda con los mismos 54.000 euros. Además, el vicepresident remarcó que este año se abrirá el Centre de Poesia Contemporània Blai Bonet en Santanyí.
Por otra parte, se mantienen los 52.000 euros para el Gremi de Llibreters para fomentar la lectura y los 18.000 para la semana del libro en catalán. Para los editores, el Consell abre una convocatoria para la edición de libros y fonogramas de especial interés con una partida de 75.000 euros.
Patrimonio histórico cuenta con un 43,5% más de presupuesto y gestiona 2,58 millones. Rotger destacó la convocatoria de 120.000 euros destinada a las excavaciones en yacimientos arqueológicos. El fomento de la artesanía también sale bien parada en estas cuentas públicas del Consell ya que el gremio cuenta con 258.200 euros, un 13,7% más.
Los gastos en personal caen en el departamento de normalización lingüística un 20,4 %; se mantienen en Cultura, bajan un 11,2% en el Principal y suben un 35% en Patrimonio histórico.
El responsable insular de Cultura remarcó que la situación actual ha hecho necesario un esfuerzo presupuestario pero su departamento ha presentado unas cuentas "realistas". Aseguró que se ofrecerá la misma calidad cultural con menos inversión. Por ello, abogó por trabajar más, ser más eficaces e imaginativos. Finalizó la presentación reflexionando sobre que en tiempos difíciles los recursos son limitados y es el momento de "cambiar el chip".
La no-broma de Damien Hirst, l’enfant terrible del mundo del arte | El Dado del Arte
El Dado del Arte
Trabajemos dentro del mundo del arte o no, lo cierto es que los seres humanos "de a pie" no podemos llegar a comprender en muchas ocasiones como ciertas obras de arte contemporáneo tienen un precio de más de seis ceros. La perplejidad aumenta cuando las obras nos parecen una broma.
¿Cómo es posible que un tiburón muerto dentro de una vitrina de formol llegue a valer 12 millones de dólares?
Vayamos por partes, el precio de una obra en una subasta, no se establece en función de la pintura utilizada, el mármol empleado o el tiempo dedicado. Hay algo más. El valor de la idea. Y por encima de este valor se encuentra situado el valor de la marca. Y de eso Hirst sabe mucho, de hecho es internacionalmente conocido como el artista vivo con la obra mejor pagada.
Aparte del valor de la marca, hemos de tener presente dos factores más. El primero es que el arte "tradicional" está prácticamente agotado, el suministro de estas obras en las subastas de arte cada vez es inferior y por lo tanto, el arte contemporáneo está saciando ese afán poseedor de muchos compradores y coleccionistas. Y el segundo factor es que en cada generación únicamente podemos hablar de una media de diez artistas "grandes" -en el sentido de que los artistas posteriores jamás podrán actuar como si ellos no hubieran existido-, por ello el valor de ese escaso número de artistas aumenta notablemente.
El economista Don Thompson se preguntaba en su libro "El tiburón de los 12 millones de dólares" lo siguiente: "¿Qué combinación de talento, suerte y sobre todo de marketing y marca conduce a un artista a la cumbre?". Y la clave está precisamente en esa mezcla. En el talento para hacer algo "diferente", en la "suerte" de ser visto por el coleccionista idóneo en el lugar apropiado y en la capacidad que tiene un artista para "saber venderse".
A Thousand Years, 1990.
Pero, ¿cómo empezó la fama de Hirst? Damien nació en 1965 en Bristol (Reino Unido), estudió Bellas Artes en Goldsmiths y compaginó la universidad con su trabajo en un depósito de cadáveres, experiencia clave para el desarrollo de su obra. Desde principios de los 90 se ha posicionado como un nombre clave al hablar del nuevo arte británico, y por supuesto, el más exitoso de la generación "Young British Artists" más conocidos como YBAs. Con poco más de 30 años ya era multimillonario tras vender algunos de sus Medicine Cabinets o algunas piezas de su serie Natural History. En realidad, el momento clave para el despegue de su carrera fue en 1990, cuando Saatchi visitó "Gambler", una exposición organizada por el propio Hirst con obras propias y de sus compañeros. Saatchi quedó boquiabierto ante la obra A thousand years, la compró y decidió financiar la "gran obra" de Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo). En esta obra Hirst lleva a su máxima expresión su deseo de describir sentimientos a través de una cosa, que no sólo representaba la naturaleza de la existencia humana, sino que encarna la vida misma. Si nos alejamos de la primera fugaz idea de que la obra parece una broma y nos paramos a pensar, nos damos cuenta que un tiburón es algo terrorífico, mucho más grande que nosotros y parece vivo cuando está muerto y muerto cuando está vivo.
The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, 1991.
Meses antes de mostrarla al público, esta obra fue objeto de numerosos rumores y una vez expuesta en la galería de Saatchi, toda la crítica tuvo claro que se convertiría en una de las imágenes icónicas de finales del XX. Pero aparte de obra icónica también se ha convertido en obra polémica. Por un lado, recibiendo críticas de grupos defensores de los animales, y por otro, porque el tiburón original fue sustituido al poco tiempo por otro debido a que estaba mostrando símbolos de descomposición ya que las técnicas de conservación no habían sido suficientes. Aún así, Saatchi logró silenciar esa polémica sobre el concepto de "obra original" tras vender a Steve Cohen un nuevo tiburón con diez veces más cantidad de formol que el primero.
Sin duda la fama de Hirst tiene mucho que agradecer tanto a Larry Gagosian, el marchante estadounidense como a Jay Jopling, el propietario de la galería White Cube en Londres, pero sobre todo responde a sus dotes de marketing y a la habilidad para poner títulos a sus obras. Si bien pudo poner "Tiburón" al tiburón en formol, decidió poner a la obra un título que respondiera a su motivación artística y que obligara al espectador a crear un significado y a intentar relacionar lo que ve con el título, una vez resuelto el enigma y haber reflexionado, el espectador podrá pasar a la siguiente obra.
Y aunque en la obra de Hirst, en un primer momento, podemos ver grandes diferencias formales, la realidad demuestra que todas sus obras giran en torno a una temática común: la fragilidad de la existencia, la muerte y la idea de la vida como paradoja de la muerte. Esta temática la representa fundamentalmente en cinco series en las que podríamos resumir su producción: spin paintings -pinturas giratorias de forma circular-, spot paintings -lienzos con hileras de círculos de colores-, butterfly paintings -collage caleidoscópico con miles de alas desmembradas-, medicine cabinets -vitrinas con material médico, desde instrumentos hasta medicamentos y piezas de modelos anatómicos- y natural history -vitrinas de diferentes tamaños donde aparecen animales, en ocasiones diseccionados, cubiertos por formol-.
Beautiful, childish, expressive, tasteless, not art, over simplistic, throw away, kids' stuff, lacking in integrity, rotating, nothing but visual candy, celebrating, sensational, inarguably beautiful painting (for over the sofa), 1996.
Amylamine, 1993.
Doorways to the Kingdom of Heaven, 2007.
Doorways to the Kingdom of Heaven, 2007. (detalle)
Las spot paintings ocupan uno de los primeros puestos en el ranking de críticas hacia Damien Hirst. En primer lugar porque son realizadas por sus ayudantes bajo sus indicaciones cromáticas y en segundo lugar por la simplicidad aparente de las piezas: filas de círculos de colores. Las obras están compuestas de círculos multicolores del mismo tamaño, alineados sobre fondo blanco y con el mismo espacio libre entre cada círculo. Pero Hirst no está bromeando, y lo demuestra en los títulos de estas series de puntos de color, títulos que responden a nombres de preparados farmacéuticos. Trasladando este concepto al ámbito artístico nos encontramos con la necesaria interacción entre diferentes elementos para conseguir un poderoso resultado. Precisamente es en estas spot paintings donde Hirst defiende "el acercamiento científico a la pintura" que en ellas tiene lugar, no sólo por la precisión, sino también por la descomposición de los preparados farmacéuticos en colores.
Sus Medicine cabinets también ocupan un destacado lugar en su producción, surgieron tras visitar una farmacia con su madre y percibir el contraste entre su absoluta fe en la medicina moderna y su escepticismo hacia los beneficios del arte. El sello familiar se refleja además en la primera obra de esta tipología, donde incorporó las prescripciones médicas que su abuela le había dado antes de morir. Esta idea la lleva al summun en Pharmacy, un espacio inmersivo lleno de vitrinas de medicinas donde consigue que el visitante directamente esté dentro de la obra. Dentro de esta tipología encontramos también las vitrinas poco profundas con colillas, y las vitrinas con réplicas de pastillas de colores minuciosamente colocadas como si fueran dulces en un armario de joyas caras. De nuevo, Hirst nos devuelve al ámbito de la medicina y nos hace reflexionar sobre la atadura contemporánea que supone hoy en día para muchas personas las prescripciones médicas.
Lullaby, the Seasons, 2002. (detalle)
Trinity - Pharmacology, Physiology, Pathology, 2000.
Pharmacy, 1992.
Natural History, es la categoría de obras donde la fascinación con la presencia física de la muerte se hace más presente. Observamos como animales muertos aparecen suspendidos "en la muerte", en una atmósfera de color azulada y cómo las obras nos hacen reflexionar respecto a la muerte, separada de la cosa muerta. Es una reflexión poco apetecible y desconcertante, no queremos realizarla dado que en cierta manera estamos "poniendo cara" a la muerte, la tenemos delante, en una vitrina y eso nos angustia.
Mother and Child Divided, exhibition copy 2007. (original 1993)
Aparte de estas categorías merece especial atención la pieza For the Love of God, una calavera humana con más de 8.000 diamantes incrustados que alcanzó los 74 millones de euros en subasta. Una pieza que ni siquiera Hirst realizó, ya que fue una joyería londinense quien modeló los huesos, incrustando sobre ellos los diamantes.
For the Love of God, 2007.
Todas estas obras, son realizadas por los múltiples colaboradores de Hirst, que a modo de obreros, participan en la elaboración de las obras en alguno de los tres talleres de los que dispone. Hablamos por tanto de personas que materializan las "ideas" de Hirst, quien se limita a dar indicaciones, y a otorgarle a la obra la "marca Hirst" para que su precio sea considerable. Sin embargo, en vez de criticar esta manera de trabajar de Hirst, en base a otros, conviene pensar que hoy día, sin la ayuda de un equipo de personas es imposible la realización de muchas obras, no sólo por las dimensiones sino también por los materiales o la complejidad técnica de la obra. Hemos de ser capaces de mirar más allá del puro objeto y reflexionar sobre la idea planteada en la obra. Es el momento de juzgar qué es más importante en estas obras: ¿la idea que transmiten o el material del que están hechas? Dejemos atrás el inmaculado valor de la autoría y persigamos el intelecto.
Recientemente, en 2012, la Tate Modern (Londres) ha dedicado una retrospectiva a sus 24 años de trayectoria, una exposición clave para comprender los trabajos de Hirst, en vivo, sin láminas, frente a frente con su tiburón, caminando entre vacas diseccionadas y observando la minuciosidad de sus círculos de color. (Link Youtube)
Arco censura a una artista espontánea - elConfidencial.com
El Confidencial
El ruedo español de los artistas no es tan libre como creían. La historia de Camila Cañeque, la artista espontánea que salta a la arena de las ferias de arte contemporáneo europeas desde hace un año para denunciar el final de España, ha tenido un desenlace fatal en Arco. Se ha tumbado bocabajo, vestida de faralaes, rosas y páginas del romancero gitano repartidas por uno de los pasillos del pabellón 10 del recinto ferial de Ifema. La imagen es evidente: españoles, España ha muerto.
Hoy no hay público en Arco, sólo negocios. Pasan cerca del cadáver, lo sortean. Nadie sabe qué es aquello. Parece una pieza más de una arriesgada galería berlinesa que le pone color a una feria que se ha hecho gris, muy gris. En una de las paredes de su stand hay un clavo del que cuelga una percha con un abrigo. Tampoco hay cartela junto al abrigo que acredite que eso es una obra de arte y que sea de un artista. Así que debe ser una performance de uno de los artistas de este galerista.
Hace algunos años, en un Arco que nada tiene que ver al de esta edición, uno de los artistas de la galería murciana T-20 contrató a un mendigo que se paseó entre los galeristas, el público y los coleccionistas. El joven Núñez Gasco creó una empresa real con la que contrataba personas para ejercer de mendigos, en una jornada laboral de nueve horas, remunerada con un sueldo base más un porcentaje sobre las limosnas. Le llovieron las críticas por demagogo y desestabilizó la tranquilidad que debía reinar en la cita comercial más importante del arte en este país.
Aquella flamenca muerta debía ser algo similar. A los diez minutos de tumbarse se acerca alguien para hablar con ella. Es un empleado de seguridad de Ifema y le exige que deponga su actitud, se levante, recoja sus cosas y se disuelva (como puede verse en las fotografías). Ella obedece, se levanta y no sabe qué hacer, si recoger sus aperos e irse a otra parte. Reconoce que no se lo esperaba. No le ha pasado esto nunca, ni en Nueva York, donde también llegó con su pequeña rebeldía, ni en Europa, donde la gente que se encontraba con su particular crítica del sufrimiento español se sentaba junto a ella y se quedaba allí durante un rato. "No esperaba que me hicieran lo que me acaban de hacer. No sé qué hacer", explica.
El director de Arco, Carlos Urroz, explica a El Confidencial que "debería haber pedido una autorización", porque "no puede hacer lo que le venga en gana". "Sólo es una metáfora", dice a este periódico. Cándida e inocente, esta barcelonesa reconoce que en Cataluña habrían censurado su acción por otros motivos. "Nunca me había pasado", repite una y otra vez. Recoge una de las páginas que hay en el suelo. Son de una edición descuartizada y amarillenta del "Romancero Gitano", de Federico García Lorca: "Las orillas de la luna/ pierden juncos, ganan voces./ Vienen manolas comiendo/ semillas de girasoles,/ los culos grandes y ocultos/ como planetas de cobre/. Vienen altos caballeros/ y damas de triste porte,/ morenas por la nostalgia/ de un ayer de ruiseñores./ Y el obispo de Manila,/ ciego de azafrán y pobre,/ dice misa con dos filos/ para mujeres y hombres".
La hipocresía que denuncia el poeta regresa con casi un siglo de retraso. El doble filo de un lugar que vive gracias a la libertad de expresión de los artistas que se dan cita y el control de los responsables del lugar en el que esa libertad mal vive. Inevitablemente, viene al recuerdo la referencia a la carta que el presidente de Ifema, José María Álvarez del Manzano, dirigió a la Fundación Francisco Franco para disculparse por aquel Franco metido en una nevera, de Eugenio Merino, y en la que muestra su comprensión por el malestar de la Fundación "porque razón tienen".
Álvarez del Manzano confirmaba en aquella misiva que la Junta Rectora valoró "retirar" la obra, pero declinaron hacerlo dado que hubiera significado mayor publicidad para el artista. Se vio en la potestad de censurar y reconocía que él también se vio "sorprendido por la presencia de la obra del Sr. Merino entre las expuestas en ARCO".
¿Cuánto cuesta la performance que acabas de hacer? "Nada", responde Camila Cañeque, vestida con el disfraz del arte. Es la única pieza que no se vende en Arco.
Vea la secuencia de la retirada de Camila Cañeque del suelo de Ifema
El ruedo español de los artistas no es tan libre como creían. La historia de Camila Cañeque, la artista espontánea que salta a la arena de las ferias de arte contemporáneo europeas desde hace un año para denunciar el final de España, ha tenido un desenlace fatal en Arco. Se ha tumbado bocabajo, vestida de faralaes, rosas y páginas del romancero gitano repartidas por uno de los pasillos del pabellón 10 del recinto ferial de Ifema. La imagen es evidente: españoles, España ha muerto.
Hoy no hay público en Arco, sólo negocios. Pasan cerca del cadáver, lo sortean. Nadie sabe qué es aquello. Parece una pieza más de una arriesgada galería berlinesa que le pone color a una feria que se ha hecho gris, muy gris. En una de las paredes de su stand hay un clavo del que cuelga una percha con un abrigo. Tampoco hay cartela junto al abrigo que acredite que eso es una obra de arte y que sea de un artista. Así que debe ser una performance de uno de los artistas de este galerista.
Hace algunos años, en un Arco que nada tiene que ver al de esta edición, uno de los artistas de la galería murciana T-20 contrató a un mendigo que se paseó entre los galeristas, el público y los coleccionistas. El joven Núñez Gasco creó una empresa real con la que contrataba personas para ejercer de mendigos, en una jornada laboral de nueve horas, remunerada con un sueldo base más un porcentaje sobre las limosnas. Le llovieron las críticas por demagogo y desestabilizó la tranquilidad que debía reinar en la cita comercial más importante del arte en este país.
Aquella flamenca muerta debía ser algo similar. A los diez minutos de tumbarse se acerca alguien para hablar con ella. Es un empleado de seguridad de Ifema y le exige que deponga su actitud, se levante, recoja sus cosas y se disuelva (como puede verse en las fotografías). Ella obedece, se levanta y no sabe qué hacer, si recoger sus aperos e irse a otra parte. Reconoce que no se lo esperaba. No le ha pasado esto nunca, ni en Nueva York, donde también llegó con su pequeña rebeldía, ni en Europa, donde la gente que se encontraba con su particular crítica del sufrimiento español se sentaba junto a ella y se quedaba allí durante un rato. "No esperaba que me hicieran lo que me acaban de hacer. No sé qué hacer", explica.
El director de Arco, Carlos Urroz, explica a El Confidencial que "debería haber pedido una autorización", porque "no puede hacer lo que le venga en gana". "Sólo es una metáfora", dice a este periódico. Cándida e inocente, esta barcelonesa reconoce que en Cataluña habrían censurado su acción por otros motivos. "Nunca me había pasado", repite una y otra vez. Recoge una de las páginas que hay en el suelo. Son de una edición descuartizada y amarillenta del "Romancero Gitano", de Federico García Lorca: "Las orillas de la luna/ pierden juncos, ganan voces./ Vienen manolas comiendo/ semillas de girasoles,/ los culos grandes y ocultos/ como planetas de cobre/. Vienen altos caballeros/ y damas de triste porte,/ morenas por la nostalgia/ de un ayer de ruiseñores./ Y el obispo de Manila,/ ciego de azafrán y pobre,/ dice misa con dos filos/ para mujeres y hombres".
La hipocresía que denuncia el poeta regresa con casi un siglo de retraso. El doble filo de un lugar que vive gracias a la libertad de expresión de los artistas que se dan cita y el control de los responsables del lugar en el que esa libertad mal vive. Inevitablemente, viene al recuerdo la referencia a la carta que el presidente de Ifema, José María Álvarez del Manzano, dirigió a la Fundación Francisco Franco para disculparse por aquel Franco metido en una nevera, de Eugenio Merino, y en la que muestra su comprensión por el malestar de la Fundación "porque razón tienen".
Álvarez del Manzano confirmaba en aquella misiva que la Junta Rectora valoró "retirar" la obra, pero declinaron hacerlo dado que hubiera significado mayor publicidad para el artista. Se vio en la potestad de censurar y reconocía que él también se vio "sorprendido por la presencia de la obra del Sr. Merino entre las expuestas en ARCO".
¿Cuánto cuesta la performance que acabas de hacer? "Nada", responde Camila Cañeque, vestida con el disfraz del arte. Es la única pieza que no se vende en Arco.
Vea la secuencia de la retirada de Camila Cañeque del suelo de Ifema
Eugenio Merino no se libra de Franco - elConfidencial.com
El Confidencial
Eugenio Merino tendrá que esperar hasta el 11 de julio para saber si es un artista libre. El juzgado de primera instancia número 26 de Madrid ha marcado esa fecha para resolver el juicio por la demanda interpuesta por la Fundación Francisco Franco contra el artista y su obra Always Franco, expuesta en la edición de Arco de 2012, en la que un muñeco de silicona representaba al dictador español aparecía vestido de gala, gafas de sol dentro de un frigorífico comercial con el diseño de una conocida marca de refrescos. En la audiencia previa la fundación ha ratificado la demanda y ha exigido el testimonio de Eugenio Merino.
La fundación reclama 18.000 euros de indemnización al artista por daños al honor del dictador. También pidió la retirada de todas las imágenes de la polémica pieza, pero la juez determinó las en las medidas cautelares que no era necesario. "Han conseguido juicio", dice Merino. "Al final consiguen lo que quieren, que cada artista que haga algo sobre Franco sepa que no podrá exponerlo", explica. Ahora queda por determinar si esos 18.000 euros se justifican. Su abogada, Susana Plaza, explica a El Confidencial que la Fundación podría haber retirado la demanda después de la rotundidad con la que se expresó la juez. Pero se han ratificado.
El propio artista reconocía en los días previos a esta audiencia previa que dicha fundación ya había conseguido lo que quería: que Merino no haya pisado Arco en la edición que acaba de clausurarse. "Ya han establecido el criterio editorial de la feria", asumía el artista. Merino declaró públicamente, en su perfil de Facebook, la censura que cometió el director de la feria: "Este año Carlos Urroz no me deja ir a Arco".
El arte, en cuestión
La intención de Merino era, como explicó en su día, demostrar que la memoria de este país no está bien cerrada. El revuelo que protagonizó aquel año la feria de arte contemporáneo demostró que las heridas todavía sangran. La demanda cuestionaba la obra del artista: "Que sea o no arte escapa de la función jurisdiccional, no el atentado al honor a través de una obra que se quiere tildar de artística". Para los abogados de la fundación Always Franco no era una obra de arte, la definieron como "escarnio a la figura de Francisco Franco que no se puede consentir", "un atentado" que reproduce al dictador "rayando con lo grotesco y lo ofensivo", que caricaturiza "al anterior Jefe de Estado", y, en resumen, que es una provocación. Se alegó que Merino ridiculizó al dictador para darse relevancia, porque, según su parecer, es "un autor desconocido".
Merino esperaba la ratificación, aunque eso no le ayuda. "El camino se hace muy cuesta arriba. Además, si el presidente de Ifema, José María Álvarez del Manzano les apoya a ellos y no a mí todavía es más difícil", reconoce. El exalcalde de Madrid y actual presidente de Ifema envió una carta a la Fundación Francisco Franco en la que aclaraba que comprendía el malestar de la fundación "porque razón tienen". Además, informa que la Junta Rectora valoró "retirar" la obra, pero reclinaron hacerlo dado que hubiera significado mayor publicidad para el artista. Es decir, se vio en la potestad de censurar.
José María Álvarez del Manzano, añade que se vio "sorprendido por la presencia de la obra del Sr. Merino entre las expuestas en Arco", y explica que le pareció "una indignidad". "Representar a cualquier ser humano, con independencia de la personalidad del general Franco, es absolutamente inadmisible y, desde luego, el autor creo yo que sólo ha pretendido, en principio, llamar la atención".
El caso también ha hecho reaccionar a la comunidad artística con una plataforma que nació al hilo de la demanda. Artistas Antifascistas nació con un "manifiesto en apoyo a Eugenio Merino y a favor de la libertad de expresión", que de momento ronda las 1.200 firmas en la página. En el texto del mismo se dice que "resulta llamativo que la fundación que guarda el legado de un dictador –que persiguió con dureza el ejercicio de las libertades y a quien pueden atribuirse las penurias vividas por cientos de miles de exiliados y represaliados- pretenda poner obstáculos a la libertad de expresión que salvaguarda la legislación".
Eugenio Merino tendrá que esperar hasta el 11 de julio para saber si es un artista libre. El juzgado de primera instancia número 26 de Madrid ha marcado esa fecha para resolver el juicio por la demanda interpuesta por la Fundación Francisco Franco contra el artista y su obra Always Franco, expuesta en la edición de Arco de 2012, en la que un muñeco de silicona representaba al dictador español aparecía vestido de gala, gafas de sol dentro de un frigorífico comercial con el diseño de una conocida marca de refrescos. En la audiencia previa la fundación ha ratificado la demanda y ha exigido el testimonio de Eugenio Merino.
La fundación reclama 18.000 euros de indemnización al artista por daños al honor del dictador. También pidió la retirada de todas las imágenes de la polémica pieza, pero la juez determinó las en las medidas cautelares que no era necesario. "Han conseguido juicio", dice Merino. "Al final consiguen lo que quieren, que cada artista que haga algo sobre Franco sepa que no podrá exponerlo", explica. Ahora queda por determinar si esos 18.000 euros se justifican. Su abogada, Susana Plaza, explica a El Confidencial que la Fundación podría haber retirado la demanda después de la rotundidad con la que se expresó la juez. Pero se han ratificado.
El propio artista reconocía en los días previos a esta audiencia previa que dicha fundación ya había conseguido lo que quería: que Merino no haya pisado Arco en la edición que acaba de clausurarse. "Ya han establecido el criterio editorial de la feria", asumía el artista. Merino declaró públicamente, en su perfil de Facebook, la censura que cometió el director de la feria: "Este año Carlos Urroz no me deja ir a Arco".
El arte, en cuestión
La intención de Merino era, como explicó en su día, demostrar que la memoria de este país no está bien cerrada. El revuelo que protagonizó aquel año la feria de arte contemporáneo demostró que las heridas todavía sangran. La demanda cuestionaba la obra del artista: "Que sea o no arte escapa de la función jurisdiccional, no el atentado al honor a través de una obra que se quiere tildar de artística". Para los abogados de la fundación Always Franco no era una obra de arte, la definieron como "escarnio a la figura de Francisco Franco que no se puede consentir", "un atentado" que reproduce al dictador "rayando con lo grotesco y lo ofensivo", que caricaturiza "al anterior Jefe de Estado", y, en resumen, que es una provocación. Se alegó que Merino ridiculizó al dictador para darse relevancia, porque, según su parecer, es "un autor desconocido".
Merino esperaba la ratificación, aunque eso no le ayuda. "El camino se hace muy cuesta arriba. Además, si el presidente de Ifema, José María Álvarez del Manzano les apoya a ellos y no a mí todavía es más difícil", reconoce. El exalcalde de Madrid y actual presidente de Ifema envió una carta a la Fundación Francisco Franco en la que aclaraba que comprendía el malestar de la fundación "porque razón tienen". Además, informa que la Junta Rectora valoró "retirar" la obra, pero reclinaron hacerlo dado que hubiera significado mayor publicidad para el artista. Es decir, se vio en la potestad de censurar.
José María Álvarez del Manzano, añade que se vio "sorprendido por la presencia de la obra del Sr. Merino entre las expuestas en Arco", y explica que le pareció "una indignidad". "Representar a cualquier ser humano, con independencia de la personalidad del general Franco, es absolutamente inadmisible y, desde luego, el autor creo yo que sólo ha pretendido, en principio, llamar la atención".
El caso también ha hecho reaccionar a la comunidad artística con una plataforma que nació al hilo de la demanda. Artistas Antifascistas nació con un "manifiesto en apoyo a Eugenio Merino y a favor de la libertad de expresión", que de momento ronda las 1.200 firmas en la página. En el texto del mismo se dice que "resulta llamativo que la fundación que guarda el legado de un dictador –que persiguió con dureza el ejercicio de las libertades y a quien pueden atribuirse las penurias vividas por cientos de miles de exiliados y represaliados- pretenda poner obstáculos a la libertad de expresión que salvaguarda la legislación".
This column will change your life: Helsinki Bus Station Theory | Life and style | The Guardian
Guardian
I've never visited Finland. Actually, I probably never should, since it's a place I love so much on paper – dazzling, snow-blanketed landscapes, best education in the world, first country to give full suffrage to women, home of the Moomins – that reality could only disappoint. Even the staunchest Finnophile, though, might be sceptical on encountering the Helsinki Bus Station Theory. First outlined in a 2004 graduation speech by Finnish-American photographer Arno Minkkinen, the theory claims, in short, that the secret to a creatively fulfilling career lies in understanding the operations of Helsinki's main bus station. It has circulated among photographers for years, but it deserves (pardon the pun) greater exposure. So I invite you to imagine the scene. It's a bus station like any big bus station – except, presumably, cleaner, and with environmentally-friendly buses driven by strikingly attractive blond(e)s.
There are two dozen platforms, Minkkinen explains, from each of which several different bus lines depart. Thereafter, for a kilometre or more, all the lines leaving from any one platform take the same route out of the city, making identical stops. "Each bus stop represents one year in the life of a photographer," Minkkinen says. You pick a career direction – maybe you focus on making platinum prints of nudes – and set off. Three stops later, you've got a nascent body of work. "You take those three years of work on the nude to [a gallery], and the curator asks if you are familiar with the nudes of Irving Penn." Penn's bus, it turns out, was on the same route. Annoyed to have been following someone else's path, "you hop off the bus, grab a cab… and head straight back to the bus station, looking for another platform". Three years later, something similar happens. "This goes on all your creative life: always showing new work, always being compared to others." What's the answer? "It's simple. Stay on the bus. Stay on the fucking bus."
A little way farther on, the way Minkkinen tells it, Helsinki's bus routes diverge, plunging off on idiosyncratic journeys to very different destinations. That's when the photographer finds a unique "vision", or – if you'd rather skip the mystificatory art talk – the satisfying sense that he or she is doing their own thing.
There are two reasons this metaphor is so compelling – apart from the sheer fact that it's Finland-related, I mean. One is how vividly it illustrates a critical insight about persistence: that in the first weeks or years of any worthwhile project, feedback – whether from your own emotions, or from other people – isn't a reliable indication of how you're doing. (This shouldn't be confused with the dodgy dictum that triggering hostile reactions means you must be doing the right thing; it just doesn't prove you're doing the wrong one.) The second point concerns the perils of a world that fetishises originality. A hundred self-help books urge you to have the guts to be "different": the kid who drops out of university to launch a crazy-sounding startup becomes a cultural hero… yet the Helsinki theory suggests that if you pursue originality too vigorously, you'll never reach it. Sometimes it takes more guts to keep trudging down a pre-trodden path, to the originality beyond. "Stay on the fucking bus": there are worse fridge-magnet slogans to live by. Just make sure you take it off the fridge when your prudish relatives visit.
Follow Oliver on Twitter.
I've never visited Finland. Actually, I probably never should, since it's a place I love so much on paper – dazzling, snow-blanketed landscapes, best education in the world, first country to give full suffrage to women, home of the Moomins – that reality could only disappoint. Even the staunchest Finnophile, though, might be sceptical on encountering the Helsinki Bus Station Theory. First outlined in a 2004 graduation speech by Finnish-American photographer Arno Minkkinen, the theory claims, in short, that the secret to a creatively fulfilling career lies in understanding the operations of Helsinki's main bus station. It has circulated among photographers for years, but it deserves (pardon the pun) greater exposure. So I invite you to imagine the scene. It's a bus station like any big bus station – except, presumably, cleaner, and with environmentally-friendly buses driven by strikingly attractive blond(e)s.
There are two dozen platforms, Minkkinen explains, from each of which several different bus lines depart. Thereafter, for a kilometre or more, all the lines leaving from any one platform take the same route out of the city, making identical stops. "Each bus stop represents one year in the life of a photographer," Minkkinen says. You pick a career direction – maybe you focus on making platinum prints of nudes – and set off. Three stops later, you've got a nascent body of work. "You take those three years of work on the nude to [a gallery], and the curator asks if you are familiar with the nudes of Irving Penn." Penn's bus, it turns out, was on the same route. Annoyed to have been following someone else's path, "you hop off the bus, grab a cab… and head straight back to the bus station, looking for another platform". Three years later, something similar happens. "This goes on all your creative life: always showing new work, always being compared to others." What's the answer? "It's simple. Stay on the bus. Stay on the fucking bus."
A little way farther on, the way Minkkinen tells it, Helsinki's bus routes diverge, plunging off on idiosyncratic journeys to very different destinations. That's when the photographer finds a unique "vision", or – if you'd rather skip the mystificatory art talk – the satisfying sense that he or she is doing their own thing.
There are two reasons this metaphor is so compelling – apart from the sheer fact that it's Finland-related, I mean. One is how vividly it illustrates a critical insight about persistence: that in the first weeks or years of any worthwhile project, feedback – whether from your own emotions, or from other people – isn't a reliable indication of how you're doing. (This shouldn't be confused with the dodgy dictum that triggering hostile reactions means you must be doing the right thing; it just doesn't prove you're doing the wrong one.) The second point concerns the perils of a world that fetishises originality. A hundred self-help books urge you to have the guts to be "different": the kid who drops out of university to launch a crazy-sounding startup becomes a cultural hero… yet the Helsinki theory suggests that if you pursue originality too vigorously, you'll never reach it. Sometimes it takes more guts to keep trudging down a pre-trodden path, to the originality beyond. "Stay on the fucking bus": there are worse fridge-magnet slogans to live by. Just make sure you take it off the fridge when your prudish relatives visit.
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21% IVA + ARCO : Instituto de Arte Contemporáneo
IAC
Nial Art Law Abogados especialistas en el Mercado del Arte
Por Isabel Niño
19 de febrero de 2013
Esta 32ª edición de ARCOmadrid 2013 pasará a la historia no por sus stands memorables, todo y que no ha faltado calidad y trabajo riguroso, sino por haber sido la edición de la polémica de la subida del IVA aplicado al ámbito cultural al 21% que afecta tanto a artistas como galeristas.
La práctica totalidad de la venta de obras de arte son adquiridas por coleccionistas, fundaciones y entes públicos, que no pueden deducirse el IVA soportado, por lo que, consecuentemente, lo importante para ellos será el precio final incluido el impuesto.
Para comprobar lo que ello supone en la práctica pongamos tres ejemplos comunes:
1.- Artista español que trabaja con dos galerías de arte al mismo tiempo, una española y otra francesa, las cuales, están interesadas en adquirirle una obra que vale 10.000 euros.
Mientras la galería española compraría la obra por 12.100 euros (10.000 euros + 21% IVA), la francesa la podría adquirir por 10.550 euros, ya que la adquisición tributa en destino al tipo de 5,5% (tipo vigente para obras adquiridas a sus autores).
Resultado: La galería francesa podría realizar al coleccionista la no despreciable rebaja de 1.550 euros.
2.- Siguiendo el ejemplo anterior pero cambiando el artista español por uno francés, nos encontramos que el resultado sería exactamente el mismo. Por cuanto, mientras que la galería francesa seguiría comprando al tipo del 5,5%, la adquisición intracomunitaria en España estaría gravada al 21% .
3.- Por último, las dos galerías española y francesa compran a un artista estadounidense. Pues, desgraciadamente para nosotros, el resultado sería idéntico que los dos anteriores supuestos: Ya que la galería española pagará un IVA a la importación del 21% mientras que la galería francesa sigue aplicando el 5,5%.
Así las cosas, estamos donde estamos fruto de la ignorancia de nuestros políticos que parecen no entender hasta que punto el arte es inherente a nuestra cultura y sociedad. Y que no me vengan ahora con que la valoración de ventas en ARCO ha sido positiva…porque si lo ha sido, seguro, no ha sido gracias a ellos.
http://www.nial-advocats.com/blog/2013/02/19/21-iva-arco/
Nial Art Law Abogados especialistas en el Mercado del Arte
Por Isabel Niño
19 de febrero de 2013
Esta 32ª edición de ARCOmadrid 2013 pasará a la historia no por sus stands memorables, todo y que no ha faltado calidad y trabajo riguroso, sino por haber sido la edición de la polémica de la subida del IVA aplicado al ámbito cultural al 21% que afecta tanto a artistas como galeristas.
La práctica totalidad de la venta de obras de arte son adquiridas por coleccionistas, fundaciones y entes públicos, que no pueden deducirse el IVA soportado, por lo que, consecuentemente, lo importante para ellos será el precio final incluido el impuesto.
Para comprobar lo que ello supone en la práctica pongamos tres ejemplos comunes:
1.- Artista español que trabaja con dos galerías de arte al mismo tiempo, una española y otra francesa, las cuales, están interesadas en adquirirle una obra que vale 10.000 euros.
Mientras la galería española compraría la obra por 12.100 euros (10.000 euros + 21% IVA), la francesa la podría adquirir por 10.550 euros, ya que la adquisición tributa en destino al tipo de 5,5% (tipo vigente para obras adquiridas a sus autores).
Resultado: La galería francesa podría realizar al coleccionista la no despreciable rebaja de 1.550 euros.
2.- Siguiendo el ejemplo anterior pero cambiando el artista español por uno francés, nos encontramos que el resultado sería exactamente el mismo. Por cuanto, mientras que la galería francesa seguiría comprando al tipo del 5,5%, la adquisición intracomunitaria en España estaría gravada al 21% .
3.- Por último, las dos galerías española y francesa compran a un artista estadounidense. Pues, desgraciadamente para nosotros, el resultado sería idéntico que los dos anteriores supuestos: Ya que la galería española pagará un IVA a la importación del 21% mientras que la galería francesa sigue aplicando el 5,5%.
Así las cosas, estamos donde estamos fruto de la ignorancia de nuestros políticos que parecen no entender hasta que punto el arte es inherente a nuestra cultura y sociedad. Y que no me vengan ahora con que la valoración de ventas en ARCO ha sido positiva…porque si lo ha sido, seguro, no ha sido gracias a ellos.
http://www.nial-advocats.com/blog/2013/02/19/21-iva-arco/
ADRIANA CERECERO - DIALOGO CON LAS CORTEZAS DEL AMATE
Nuestra Apreciable Mtra.Adriana Cerecero profundamente comprometida con la cultura del papel amate ,ahora podremos apreciar obra de profundo DIALOGO CON LAS CORTEZAS DEL AMATE.Adriana es una artista plástica que en los últimos años ha venido trabajando las cortezas y el papel amate con gran SENTIMIENTO, teniendo como resultado obras que los críticos y maestros europeos elogian. Adriana es mexicana y desde hace tiempo tiene su morada en la Isla de Mallorca, España. Ella siempre nos ha apoyado en exposiciones y ahora llega a la ciudad de Mèxico para realizar una instalación en la Galería del Sindicato de trabajadores de la UNAM.
EVA LOOTZ. Premio Arte y Mecenazgo a la mejor artista 2013.
Queridos amigos,
La artista Eva Lootz ha sido galardonada con el premio Arte y Mecenazgo a la mejor artista 2013.
Pueden visitar la exposición de la artista 'Brotes Verdes' en nuestro espacio de Palma hasta el 30 de marzo.
Dear friends,
The artist Eva Lootz has been awarded the Premio Arte y Mecenazgo 2013 for best artist.
You can visit the exhibition of the artist 'green shoots' in our space in Palma until 30 March.
Liebe Freunde,
Die Künstlerin Eva Lootz wurde die Arte y Mecenazgo 2013 als bester Künstler ausgezeichnet.
Sie können die Ausstellung des Künstlers "grünen Triebe" in unserem Galerie in Palma bis zum 30. März zu besuchen.
Maior | Pollença Maior | Palma
Plaça Major, 4-1º Can Sales, 10
07460 Pollença 07012 Palma de Mallorca
La artista Eva Lootz ha sido galardonada con el premio Arte y Mecenazgo a la mejor artista 2013.
Pueden visitar la exposición de la artista 'Brotes Verdes' en nuestro espacio de Palma hasta el 30 de marzo.
Dear friends,
The artist Eva Lootz has been awarded the Premio Arte y Mecenazgo 2013 for best artist.
You can visit the exhibition of the artist 'green shoots' in our space in Palma until 30 March.
Liebe Freunde,
Die Künstlerin Eva Lootz wurde die Arte y Mecenazgo 2013 als bester Künstler ausgezeichnet.
Sie können die Ausstellung des Künstlers "grünen Triebe" in unserem Galerie in Palma bis zum 30. März zu besuchen.
Maior | Pollença Maior | Palma
Plaça Major, 4-1º Can Sales, 10
07460 Pollença 07012 Palma de Mallorca
Miradas de Mujeres, aquest dijous inauguració de Paz Alcoverro a Tres Serveis Culturals
BIBLIOTECA DE GÉNERO, UNA ACCIÓ PARTICIPATIVA DE L'ARTISTA PAZ ALCOVERRO A MIRADAS DE MUJERES
Dins el festival Miradas de Mujeres que reuneix aquests dies a més de cinquanta artistes a vint-i-tres espais arreu de Mallorca, Paz Alcoverro presenta dijous dia 28 de febrer a les 19h a Tres Serveis Culturals (C/Corderia 15, Palma) Biblioteca de género. Proyecto en construcción, un projecte expositiu que consisteix en crear una biblioteca de gènere formada per llibres escrits per dones i catàlegs de dones artistes mitjançant l'acció participativa duita a terme per les dones que deixin temporalment els seus exemplars i així anar creant de manera col·lectiva una biblioteca que doni visibilitat a l'art i la literatura fets per dones i que alhora esdevengui un pretext per a tot un seguit de reflexions, individuals i col·lectives.
Biblioteca de género vol ser un punt de partida per a la revisió crítica, la recerca i retrobament de llibres a les col·leccions particulars i a la seva compartició. Fomentar doncs la recerca dins les col·leccions particulars de les dones com a eina de retrobament i presa de consciència davant el poca presència que tenen les obres literàries escrites per dones (i als catàlegs de dones artistes) a les seves biblioteques particulars.
Aquesta acció col·lectiva, acotada al dia de la inauguració i els tres dilluns posteriors (dies 4, 11 i 18 de març de 18:30 a 20:30) vol ser un punt de trobada, intercanvi i reflexió entre les participants i, sobre tot, una resposta a les polítiques institucionals que estan molt lluny de fomentar la paritat en el terreny de l'art. Només – apunta Alcoverro- l'acció ciutadana en xarxa de persones conscienciades pot donar resposta als diferents reptes que se'ns presenten actualment en els diversos àmbits: econòmic, social i cultural".
La clausura i retorn dels exemplars cedits es durà a terme dia 20 de març, de les 19 a les 21 hores.
Inaug. 28/02 "UN ANY D'ART I MAMADES" d'Ian Waelder i + a la Sala Pelaires a les 19.30h.
Dijous que ve, dia 28 de febrer a les 19:30h
estarem celebrant un any de 40putes.com
amb una exposició a la Sala Pelaires.
estarem celebrant un any de 40putes.com
amb una exposició a la Sala Pelaires.
ARCA demana civisme i vigilància al conjunt escultòric de Guinovart al Parc de la Mar
ARCA
26/02/2013
El magnífic conjunt escultòric de Guinovart al Parc de la Mar, element davant el qual hem de sentir orgull i admiració, és maltractat per incultura i incivisme.
Diumenge passat mateix, dos joves aficionats a botar obstacles amb les seves bicicletes rossegaven i recol·locaven a la seva conveniència peces de l'esmentat conjunt escultòric. L'objectiu era construir un camí ple d'obstacles per botar a plaer amb les seves bicicletes.
Les esmentades peces ja havien estat arrabassades i qualcuna fragmentada prèviament per altra gent incívica i inculta que és incapaç de contemplar una obra d'art
ARCA sol·licitarà a Cort la restauració de les peces rompudes i que impedeixi que fets com aquest tornin a succeir. També demana que la policia local faci una vigilància i actuï d'immediat quan es rebin denúncies advertint fets com aquest.
Palma ha de mostrar amb orgull el conjunt de Guinovart, una meravella que no pot ser profanada per persones destructores, ja ho siguin conscientment o inconscientment.
L'incivisme, un gran enèmic del Patrimoni
L'incivisme és un dels principals enèmics del Patrimoni. ARCA està realment preocupada per un fet que en els darrers 15 anys ha anat en augment d'una manera preocupant. Pintades, orins, restes de botellada, fems de tot tipus i menyspreu per tot allò que és públic.
Des d'ARCA creim que el civisme és la millor inversió de futur. El respecte i la responsabilitat individual dels espais comuns són garantia d'estimació i protecció. El contrari, l'incivisme, és insostenible i decebedor. I no tan sols pel Patrimoni, també per qualsevol altre aspecte social.
No tot depèn de les administracions, però, si no hi ha una pressa de consciència individual, l'acció des de qui té el poder és molt poc efectiva. Apel.lam també a la responsabilitat individual i al compromís col·lectiu amb el civisme.
Més informació de l'obra al blog Alta mar de Fabián Montejo http://fabian.balearweb.net/
Título: Conjunt escultòric del Parc de la Mar
Autor: Josep Guinovart
Realización: Equip Zócalo
Fecha: 1984 - 1986
Materiales: Marés y cemento armado
FMM Mallorca. Del 25 de febrero al 3 de marzo.
El Festival Miradas De Mujeres ya ha arrancado en Mallorca (Illes Balears). Os invitamos a no perderos ninguno de los eventos que se enmarcan dentro de esta cita.
Os adjuntamos, por ello, el programa completo actualizado y destacamos los eventos que tendrán lugar esta semana (del 25 de febrero al 3 de marzo).
El niño que acabó siendo Picasso | Cultura | EL PAÍS
El Pais
De niño, Picasso pintaba como un adulto, un dominio de la técnica y una seguridad que revelaban el talento precoz del hijo de José Ruiz Blasco. Picasso copiaba a su padre, profesor de dibujo y conservador del Museo Municipal de Málaga, quien adoctrinó al niño no solo para que siguiera sus pasos sino para que finalmente le ganase la partida. Algunos cuadros del padre se enfrentan ahora a los del hijo, formando parte de la singular exposición Picasso de Málaga. Obra de primera época. Inaugurada ayer en el Museo Picasso de la ciudad andaluza —que celebra su décimo aniversario— la muestra apunta al tuétano del genio.
Picasso de Málaga no solo fija el lugar de su ciudad natal en su imaginario de adulto (los toros, el sol, la cerámica, las palomas…), sobre todo nos pone en contacto con el niño que una vez fue el todopoderoso artista. Empujado, estimulado y arropado por una familia que no esperó de él otra cosa que el éxito: "Cuando yo era niño mi madre me decía: 'Si llegas a ser soldado, serás general. Si cuando seas mayor eres monje, llegarás a ser Papa'. Pero en lugar de todo eso fui pintor y terminé siendo Picasso".
"Pablo fue hijo de pintor, algo que muchas veces se olvida. Mamó desde niño un ambiente artístico que potenció su talento", señala Xavier Vilató, nieto de Lola, una de las hermanas del pintor. Ella y su madre, María Picasso, guardaron cada dibujo, cada recorte, cada balbuceo artístico del niño. Para Malén Gual, conservadora del Museo Picasso de Barcelona, ese celo de la familia nos permite hoy conocer a la perfección la evolución del artista. "Cómo, por ejemplo, estando ya su familia en Barcelona, él viajaba en verano aquí y cómo, lejos de la losa de la academia, suelta la pincelada más que nunca".
Para Vilató hay un rincón excepcional en la exposición, el que cruza los cuadros de palomas del padre con los del hijo. "Es para mí el gran símbolo", dice. Picasso evocaba así las palomas de su padre: "Mi padre pintaba cuadros de comedor, de aquellos que tienen perdices o pichones, liebres y conejos. Su especialidad eran las aves y las flores. Sobre todo palomas y lilas. Lilas y palomas... Una vez hizo un cuadro enorme que representaba un palomar abarrotado de palomas... una jaula con centenares de palomas. Con miles y millones de palomas... Estaban puestas en filas como en un palomar: un palomar enorme".
Natasha Staller: "Sus ideas fundamentales se fraguaron aquí"
No son millones de palomas, ya sabemos que todo genio exagera, pero el cuadro, pintado en 1878, ilustra hoy perfectamente esas raíces malagueñas, ese "paraíso perdido", como señala el comisario Rafael Inglada, quien siente especial debilidad por un viejo pescador que Picasso pintó sobre los 13 años, justo después de visitar el Prado con su madre, "o el de la tía Pepa, maravilloso". "Él vivió muy poco tiempo en Málaga, pero sus ideas fundamentales se fraguaron aquí", asegura la catedrática estadounidense Natasha Staller.
El primer óleo que se guarda de Picasso es una marina que copió a su padre (que a su vez la había copiado de otro pintor de la época), la pintó con ocho años, a escondidas, debajo de una cama, iluminado por una vela. En una ocasión Picasso le dijo a Brassaï que cuando dibujaba a un hombre siempre pensaba en los rasgos de su padre, del que conservaba como un talismán la paleta y la caja de pinceles que le dejó a su muerte. Con los años Picasso mató al padre, al que retrató con una fuerza insólita y casi oscura, con nariz y manos totémicas, y también se alejó de Málaga. Su última visita es una zona misteriosa de su biografía. Viajó al sur con su amigo Carlos Casagemas para sacarle de la fuerte depresión que padecía, pero por alguna razón lo abandonó en la ciudad andaluza. Cuando Casagemas vuelve a Barcelona se suicida y Picasso no regresa ya nunca más a la ciudad que, de la mano de su padre, le empujó a pintar.
CONVOCATÒRIES 2.4
Concurso Autonómico de Graffiti Villalar 2013 - Fundación Ateneo Cultural Jesús Pereda
Beca 2013 Colección Patricia Phelps de Cisneros para viajes de investigación curatorial en Centroamérica y el Caribe - Fundación Cisneros - Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC)
III Bienal Ciudad Juárez-El Paso Biennial 2013 - Museo de Arte de Ciudad Juárez
55ª Convocatoria Becas Fulbright. Ampliación de estudios artísticos. Curso 2014-15 - Fulbright España
XIV Premio Internacional de Pintura Miquel Viladrich - Ayuntamiento de Torrelameu
MADATC. Convocatoria de Videoarte & Arte Audiovisual de los Nuevos Medios -Muestra Abierta de Arte Audiovisual Contemporáneo (MADATAC)
Beca 2013 Colección Patricia Phelps de Cisneros para viajes de investigación curatorial en Centroamérica y el Caribe - Fundación Cisneros - Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC)
III Bienal Ciudad Juárez-El Paso Biennial 2013 - Museo de Arte de Ciudad Juárez
55ª Convocatoria Becas Fulbright. Ampliación de estudios artísticos. Curso 2014-15 - Fulbright España
XIV Premio Internacional de Pintura Miquel Viladrich - Ayuntamiento de Torrelameu
MADATC. Convocatoria de Videoarte & Arte Audiovisual de los Nuevos Medios -Muestra Abierta de Arte Audiovisual Contemporáneo (MADATAC)
SERRES I… de Joan Lacomba a Can Fondo
Inauguració 23/03 "SERRES I…" de Joan Lacomba a Can Fondo
Fins el 28/04
2ª CONFERENCIA: EL ARTE DE INVERTIR EN ARTE
El próximo martes 26 de febrero a las 19.00h se llevará a cabo la conferencia sobre inversión en arte: "El arte de invertir en arte; cómo comprar, vender e invertir" en la galería Artmallorca (c/ Missió n. 26, Palma), a cargo de las investigadoras Sara Rivera Martorell y Aina Ferrero Horrach.
En la conferencia se darán consejos para poder valorar el arte; qué es lo que hace que un artista llegue a ser conocido; de los artistas más cotizados del momento; se reflexionará sobre la relación entre arte y dinero; se hablará de mercado negro; de la situación del mercado del arte a nivel internacional y del caso español, entre otras cosas.
Delante la evidente desorientación del gran público respecto al objeto artístico, fruto de la cada vez menor importancia que se le concede a la ejecución y a la presencia material de la obra respecto a su contenido conceptual y la creciente inmersión de nuevos formatos, hay que tener en cuenta una serie de aspectos que pueden dar más seguridad a los inversores y coleccionistas.
El precio de la conferencia son 4 euros. Las plazas son limitadas, por lo que es imprescindible inscripción previa mandando un mail ainfo@artmallorca.es Adjuntamos un programa de la conferencia, que como vereis es la segunda conferencia de un ciclo de dos, la primera de las cuales, sobre coleccionismo, ya se llevó a cabo.
SOBRE LAS CONFERENCIANTES
Sara Rivera Martorell: Es licenciada en historia del arte, ha cursado un máster en arte contemporáneo y cultura visual en el Museo Reina Sofía de Madrid. Su línea de investigación se centra en el arte y los estudios de género, con publicaciones en revistas como "Arte y políticas de identidad","Efímera", o "Didácticas específicas". Trabaja como crítica y gestora cultural.
Ana Ferrero Horrach: Es licenciada en historia del arte, ha cursado un máster en mercado y tasación de arte, y un postgrado en gestión y políticas culturales. Su línea de investigación se centra en el mercado de arte. Colabora en revistas culturales como crítica de arte y trabaja como tasadora y gestora cultural.
Cordiales saludos.
Del equipo de Artmallorca.
ARTMALLORCA, art, perfums i joies…
C/ Missiò nº 26 · Palma de Mallorca · Illes Baleares
En la conferencia se darán consejos para poder valorar el arte; qué es lo que hace que un artista llegue a ser conocido; de los artistas más cotizados del momento; se reflexionará sobre la relación entre arte y dinero; se hablará de mercado negro; de la situación del mercado del arte a nivel internacional y del caso español, entre otras cosas.
Delante la evidente desorientación del gran público respecto al objeto artístico, fruto de la cada vez menor importancia que se le concede a la ejecución y a la presencia material de la obra respecto a su contenido conceptual y la creciente inmersión de nuevos formatos, hay que tener en cuenta una serie de aspectos que pueden dar más seguridad a los inversores y coleccionistas.
El precio de la conferencia son 4 euros. Las plazas son limitadas, por lo que es imprescindible inscripción previa mandando un mail ainfo@artmallorca.es Adjuntamos un programa de la conferencia, que como vereis es la segunda conferencia de un ciclo de dos, la primera de las cuales, sobre coleccionismo, ya se llevó a cabo.
SOBRE LAS CONFERENCIANTES
Sara Rivera Martorell: Es licenciada en historia del arte, ha cursado un máster en arte contemporáneo y cultura visual en el Museo Reina Sofía de Madrid. Su línea de investigación se centra en el arte y los estudios de género, con publicaciones en revistas como "Arte y políticas de identidad","Efímera", o "Didácticas específicas". Trabaja como crítica y gestora cultural.
Ana Ferrero Horrach: Es licenciada en historia del arte, ha cursado un máster en mercado y tasación de arte, y un postgrado en gestión y políticas culturales. Su línea de investigación se centra en el mercado de arte. Colabora en revistas culturales como crítica de arte y trabaja como tasadora y gestora cultural.
Cordiales saludos.
Del equipo de Artmallorca.
ARTMALLORCA, art, perfums i joies…
C/ Missiò nº 26 · Palma de Mallorca · Illes Baleares
En la frontera del arte corporal - Diario de Mallorca
Diario de Mallorca
En la frontera del arte corporal
Georgina Sas. Palma A principios de los años 60 el Accionismo Vienés puso énfasis creativo en prácticas corporales provocativas, transgresoras y fetichistas, que buscaban su justificación en las teorías psicoanalíticas; cabe destacar la exposición que acogió hasta hace pocas semanas el Centro de Arte Contemporáneo DOX de Praga. En ella se intentaba descubrir el papel de la mujer en este movimiento que luchó por la libertad individual y contribuyó significativamente a una mayor tolerancia interpersonal y sexual. Nombres como Otto Muehl, Hermann Nitsch, Rudolf Schwarzkogler y Günter Brus se unen ya al arte corporal hasta las últimas consecuencias.
Numerosos artistas han usado su cuerpo con fines artísticos, pero en el terreno de las acciones "a dúo" destaca el trabajo de Marina Abramovi? (Belgrado, 1946) y el alemán conocido con el nombre de Ulay, que a partir de 1976, empezaron con sus Relation Works, en la que el contacto físico y psicológico los llevaba, sin ningún tipo de fisuras, a la unión total, a un viaje corporal y espiritual de enormes dimensiones. Su primera acción conjunta fue Relation in Space (1976), presentada en el marco de la Bienal de Venecia. Durante 58 minutos sus cuerpos desnudos se rozaban, se abalanzaban, se topaban bruscamente en un espacio amplio y vacío. Empezaban a indagar con el concepto de tiempo y supervivencia del cuerpo humano.
Marina Abramovi?, dotada de un físico poderoso, ha podido llegar a sus 66 años a ser el mismo soporte y material artístico para expresar sus acciones siguiendo Ce qu´il est, ce qu´il n´est pas, publicado en el primer manifiesto sobre arte corporal, en 1975.
Durante más de 30 años Abramovi? ha realizado unas serias reflexiones sobre los límites del territorio del arte. "En el teatro hay actuación, escenificación. La performance, en cambio, es real. Yo soy actriz, soy yo misma", aquí reitera su mayor importancia como artista, y eso se refleja en el maravilloso documental que se presentó el pasado 7 de febrero en Es Baluard: Marina Abramovi?: The Artist is Present, que plasma el proceso de preparación y desarrollo de la retrospectiva de la artista serbia en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York en 2010.
Tres meses sentada, 750 horas quieta y mirando a los ojos a miles y miles de visitantes, impulsada por la pasión y la audacia. Mi admiración más inmensa.
Veintisiete instituciones piden al Gobierno que rectifique el IVA cultural
La Vanguardia
Veintisiete instituciones piden al Gobierno que rectifique el IVA cultural
El manifiesto en defensa de la cultura y las artes asegura que el incremento del impuesto pone en riesgo el futuro de muchos museos y centros
Cultura | 19/02/2013 - 13:44h | Actualizado el 19/02/2013 - 16:36
Barcelona (EFE).- Veintisiete instituciones catalanas, entre ellas el MACBA, el CCCB, la Fundación Tàpies y los directores del MNAC y la Fundación Miró, han pedido al Gobierno a través de un manifiesto que rectifique el IVA cultural, fijado en un 21%, al considerar que pone en riesgo el futuro de muchos museos y centros.
El Manifiesto en defensa de la cultura y las artes, que ha sido promovido inicialmente por el Gremio de Galerías de Arte de Catalunya, pretende, según ha explicado el vicepresidente del Gremio de Galerías de Arte de Catalunya, Albert Gran, que "se sumen otros museos e instituciones culturales del resto de España".
Gran ha comentado que "si el 8% de IVA que había antes ya nos parecía alto, un 21% es excesivo y nos coloca en una situación de no poder competir a nivel internacional, pues países europeos como Francia o Alemania aplican un 6-7% de IVA en la cultura".
La comunicación del manifiesto se produce dos días después de que la Academia del Cine de España solicitara en los premios Goya a través de su presidente, Enrique González Macho, la rectificación del Gobierno.
Esta situación, ha añadido Gran, está llevando a que algunas galerías se planteen o hayan comenzado ya a instalarse en Francia.
En el texto del manifiesto se recoge que es "un síntoma inequívoco y preocupante" que un festival musical de gran éxito como el Primavera Sound se plantee abandonar Barcelona y trasladarse a Francia y a Portugal.
Aunque la iniciativa ha surgido en Catalunya, la intención de los impulsores del manifiesto es "extenderla a todas las asociaciones culturales españolas antes de remitirlo a las autoridades públicas, especialmente al Gobierno español".
Según Gran, "nunca el mundo de la cultura había estado tan unido como ahora" y ha anunciado que la reivindicación no se quedará sólo en la publicación del manifiesto, sino que emprenderán otras medidas si el Gobierno central no responde a sus peticiones.
El crítico de arte Juan Bufill, que ha leído el manifiesto, ha recordado que "Holanda ya aprobó unas medidas similares a las de España, pero la contestación por parte de los sectores culturales hicieron que el gobierno holandés rectificara su política inicial".
Los firmantes del Manifiesto consideran "ineficaz y dañina" la reciente subida del IVA al 21% aplicada a las artes plásticas, la música, el cine y las artes escénicas, al considerar las artes como mero espectáculo, y "ello es especialmente grave si tenemos en cuenta que los espectáculos deportivos como el fútbol gozan de un trato fiscal privilegiado".
Califican de un "sinsentido" la política fiscal aplicada si se tiene en cuenta "la desproporción entre las cantidades que se van a poder recaudar tras esta subida y la enormidad de los daños causados directamente por ella, a no ser que el propósito sea aniquilar la cultura".
Advierte el manifiesto que si se destruye la cultura estamos "condenados a la barbarie", "no puede haber democracia y en consecuencia tampoco puede funcionar con plenitud la economía" y "se produce una rápida decadencia general de toda la sociedad".
Concreta el texto que "a corto plazo esta subida del IVA está siendo ya muy dañina" y que si no se rectifica va a causar una cadena de quiebras y cierres de pequeñas, medianas y grandes empresas culturales.
Menciona que en pocos meses pueden desaparecer incluso las manifestaciones que gozan de mayor prestigio y éxito a nivel local e internacionales, como galerías, ferias, centros y museos de arte, así como festivales de música y de artes escénicas que antes de la subida del IVA no sólo eran viables, sino incluso plenamente exitosos.
La crisis de los sectores culturales, denuncia el manifiesto, se irradiará a otros sectores vinculados como la restauración, el turismo, la hostelería, los viajes, los transportes o los comercios y el efecto resultante será "una grave destrucción económica, una gran disminución de los beneficios y, en consecuencia, una recaudación de impuestos mucho menor".
Propone al gobierno español que busque otras vías para recaudar impuestos sin dañar la economía productiva, por ejemplo, "gravando las operaciones claramente especulativas o evitando el endeudamiento excesivo del Estado y de los ciudadanos a causa de los intereses bancarios".
Además de la rectificación del IVA cultural, los sectores culturales solicitan "una ley capaz de fomentar el mecenazgo", una vieja reivindicación que "cada vez que un ministro de Cultura intenta llevar a cabo un responsable de Hacienda se lo impide"
Veintisiete instituciones piden al Gobierno que rectifique el IVA cultural
El manifiesto en defensa de la cultura y las artes asegura que el incremento del impuesto pone en riesgo el futuro de muchos museos y centros
Cultura | 19/02/2013 - 13:44h | Actualizado el 19/02/2013 - 16:36
Barcelona (EFE).- Veintisiete instituciones catalanas, entre ellas el MACBA, el CCCB, la Fundación Tàpies y los directores del MNAC y la Fundación Miró, han pedido al Gobierno a través de un manifiesto que rectifique el IVA cultural, fijado en un 21%, al considerar que pone en riesgo el futuro de muchos museos y centros.
El Manifiesto en defensa de la cultura y las artes, que ha sido promovido inicialmente por el Gremio de Galerías de Arte de Catalunya, pretende, según ha explicado el vicepresidente del Gremio de Galerías de Arte de Catalunya, Albert Gran, que "se sumen otros museos e instituciones culturales del resto de España".
Gran ha comentado que "si el 8% de IVA que había antes ya nos parecía alto, un 21% es excesivo y nos coloca en una situación de no poder competir a nivel internacional, pues países europeos como Francia o Alemania aplican un 6-7% de IVA en la cultura".
La comunicación del manifiesto se produce dos días después de que la Academia del Cine de España solicitara en los premios Goya a través de su presidente, Enrique González Macho, la rectificación del Gobierno.
Esta situación, ha añadido Gran, está llevando a que algunas galerías se planteen o hayan comenzado ya a instalarse en Francia.
En el texto del manifiesto se recoge que es "un síntoma inequívoco y preocupante" que un festival musical de gran éxito como el Primavera Sound se plantee abandonar Barcelona y trasladarse a Francia y a Portugal.
Aunque la iniciativa ha surgido en Catalunya, la intención de los impulsores del manifiesto es "extenderla a todas las asociaciones culturales españolas antes de remitirlo a las autoridades públicas, especialmente al Gobierno español".
Según Gran, "nunca el mundo de la cultura había estado tan unido como ahora" y ha anunciado que la reivindicación no se quedará sólo en la publicación del manifiesto, sino que emprenderán otras medidas si el Gobierno central no responde a sus peticiones.
El crítico de arte Juan Bufill, que ha leído el manifiesto, ha recordado que "Holanda ya aprobó unas medidas similares a las de España, pero la contestación por parte de los sectores culturales hicieron que el gobierno holandés rectificara su política inicial".
Los firmantes del Manifiesto consideran "ineficaz y dañina" la reciente subida del IVA al 21% aplicada a las artes plásticas, la música, el cine y las artes escénicas, al considerar las artes como mero espectáculo, y "ello es especialmente grave si tenemos en cuenta que los espectáculos deportivos como el fútbol gozan de un trato fiscal privilegiado".
Califican de un "sinsentido" la política fiscal aplicada si se tiene en cuenta "la desproporción entre las cantidades que se van a poder recaudar tras esta subida y la enormidad de los daños causados directamente por ella, a no ser que el propósito sea aniquilar la cultura".
Advierte el manifiesto que si se destruye la cultura estamos "condenados a la barbarie", "no puede haber democracia y en consecuencia tampoco puede funcionar con plenitud la economía" y "se produce una rápida decadencia general de toda la sociedad".
Concreta el texto que "a corto plazo esta subida del IVA está siendo ya muy dañina" y que si no se rectifica va a causar una cadena de quiebras y cierres de pequeñas, medianas y grandes empresas culturales.
Menciona que en pocos meses pueden desaparecer incluso las manifestaciones que gozan de mayor prestigio y éxito a nivel local e internacionales, como galerías, ferias, centros y museos de arte, así como festivales de música y de artes escénicas que antes de la subida del IVA no sólo eran viables, sino incluso plenamente exitosos.
La crisis de los sectores culturales, denuncia el manifiesto, se irradiará a otros sectores vinculados como la restauración, el turismo, la hostelería, los viajes, los transportes o los comercios y el efecto resultante será "una grave destrucción económica, una gran disminución de los beneficios y, en consecuencia, una recaudación de impuestos mucho menor".
Propone al gobierno español que busque otras vías para recaudar impuestos sin dañar la economía productiva, por ejemplo, "gravando las operaciones claramente especulativas o evitando el endeudamiento excesivo del Estado y de los ciudadanos a causa de los intereses bancarios".
Además de la rectificación del IVA cultural, los sectores culturales solicitan "una ley capaz de fomentar el mecenazgo", una vieja reivindicación que "cada vez que un ministro de Cultura intenta llevar a cabo un responsable de Hacienda se lo impide"
El Consell destina 250.000 euros a Es Baluard, que ya puede designar dirección - Diario de Mallorca
Diario de Mallorca
El Consell destina 250.000 euros a Es Baluard, que ya puede designar dirección
Redacción. Palma Es Baluard prosigue con el proceso de selección de la nueva dirección después de que el Consell de Mallorca diera a conocer que este año destinará al museo 250.000 euros, 150.000 menos que en 2012. El concejal de Cultura de Cort, Fernando Gilet, explicó ayer que, una vez conocido el presupuesto de la institución insular, el centro de arte contemporáneo continuará con la elección de su nuevo responsable. Eso sí, otras fuentes apuntaron a que Francisca Niell se perfila como la nueva responsable de Es Baluard.
En los presupuestos de Cultura, que el vicepresidente Joan Rotger presentará esta tarde, se prevé una reducción de 450.000 euros en la partida de la Orquestra Simfònica de Balears, que tendrá que conformarse con 200.000 euros. Por su parte, el Teatre del Mar recibirá 20.000 euros, un 33% menos que en 2012. La institución insular sigue apostando en estas cuentas por el Teatre Principal, que contará en una partida de 4,07 millones.
Aunque en Manacor ya lo sabían, las cuentas de 2013 del departamento de Rotger confirman que la Fira de Teatre de la capital del Llevant se queda sin partida. Desde el teatro afirmaron que llevará tiempo saber cómo continuar con esta muestra. Consell y Vilafranca también se quedan sin ayuda.
Otro de los afectados es el gremio de editores, ya que su partida ha desaparecido de las cuentas del Consell. Aunque la mayoría de consultados prefirieron esperar a tener el presupuesto oficial para hacer valoraciones, Francesc Moll, del Gremi d´Editors de Balears, aseguró ayer que ya se esperaban esta noticia porque los gobernantes insulares "no tienen mucho interés en seguir promocionando la cultura de las islas". "Ya sabíamos que no destinarían ni un euro a la edición de libros", concretó Moll.
Por su parte, la partida de promoción cultural cae un 45,5% ya que el departamento de Cultura destinará durante en este ejercicio 1,4 millones de euros.
El Consell destina 250.000 euros a Es Baluard, que ya puede designar dirección
Redacción. Palma Es Baluard prosigue con el proceso de selección de la nueva dirección después de que el Consell de Mallorca diera a conocer que este año destinará al museo 250.000 euros, 150.000 menos que en 2012. El concejal de Cultura de Cort, Fernando Gilet, explicó ayer que, una vez conocido el presupuesto de la institución insular, el centro de arte contemporáneo continuará con la elección de su nuevo responsable. Eso sí, otras fuentes apuntaron a que Francisca Niell se perfila como la nueva responsable de Es Baluard.
En los presupuestos de Cultura, que el vicepresidente Joan Rotger presentará esta tarde, se prevé una reducción de 450.000 euros en la partida de la Orquestra Simfònica de Balears, que tendrá que conformarse con 200.000 euros. Por su parte, el Teatre del Mar recibirá 20.000 euros, un 33% menos que en 2012. La institución insular sigue apostando en estas cuentas por el Teatre Principal, que contará en una partida de 4,07 millones.
Aunque en Manacor ya lo sabían, las cuentas de 2013 del departamento de Rotger confirman que la Fira de Teatre de la capital del Llevant se queda sin partida. Desde el teatro afirmaron que llevará tiempo saber cómo continuar con esta muestra. Consell y Vilafranca también se quedan sin ayuda.
Otro de los afectados es el gremio de editores, ya que su partida ha desaparecido de las cuentas del Consell. Aunque la mayoría de consultados prefirieron esperar a tener el presupuesto oficial para hacer valoraciones, Francesc Moll, del Gremi d´Editors de Balears, aseguró ayer que ya se esperaban esta noticia porque los gobernantes insulares "no tienen mucho interés en seguir promocionando la cultura de las islas". "Ya sabíamos que no destinarían ni un euro a la edición de libros", concretó Moll.
Por su parte, la partida de promoción cultural cae un 45,5% ya que el departamento de Cultura destinará durante en este ejercicio 1,4 millones de euros.
El Festival de Mujeres en Mallorca arranca esta semana en Manacor - Diario de Mallorca
Diario de Mallorca
El Festival de Mujeres en Mallorca arranca esta semana en Manacor
lara villar palma
La segunda edición del festival Miradas de Mujeres en Mallorca, organizado por la asociación de Mujeres en las Artes Visuales, presentó ayer en Es Baluard la programación global para el mes de marzo que, debido a los centros públicos y privados que colaboran –23 espacios con más de 50 participantes entre artistas, comisarias, críticas de arte y conferenciantes– se ha visto adelantada al mes de febrero por algunas galerías, que ya han presentado sus propuestas.
Así las cosas, ayer mismo se inauguró en la sala Sacma de Manacor la exposición de la artista Ting Ting Cheng (Taipei, Taiwán, 1985) titulada Jo vull aprendre mallorquí, que permanecerá hasta el 6 de abril de 2013. Antes ya lo habían hecho CCA Andratx (Laia Ventayol); Addaya (Arantxa Boyero); Maior (Eva Lootz) y Ferran Cano (Julia Galán). Y en los días previos a la fecha oficial escogida para el inicio de las actividades, el 8 de marzo –Día de la Mujer Trabajadora–, habrá otras acciones previstas: El día de las Islas Balears se organizará una mesa redonda en la Fundació Pilar i Joan Miró: Cómo establecer nuevas vías de producción, financiación, y promoción en la industria del arte contemporáneo, en la que participan la propia Mercedes Estarellas, desde la coordinación y dirección del FMM Mallorca, junto a Pilar Ribal, Eva Moraga, Mercedes Basso e Isabel Cerdà, directora general de Cultura. El 2 de marzo, la artista Teresa Matas ofrecerá una performance en Marratxí, que luego podrá visionarse en en el C&A de Palma.
Y es que entre las acciones artísticas y teóricas (ésta última, "parte muy gruesa" de él, según Piedad Solans, coordinadora y directora del FMM) de las que se compone el Festival, "habrá muchas performance" como la de la artista Nieves Correa, que inaugurará la cita el próximo viernes 8 de marzo, en el Casal Solleric, titulada As time goes by.
El cierre vendrá de la mano de Es Baluard, donde se ofrecerá, el 27 de marzo a las 20:30 horas, una escenificación poético-musical de la artista Chantall Maillard: Matar a Platón (Premio Nacional de Poesía).
Recordar que el FFM nace como un festival de artes visuales que busca "ayudar a llenar la oferta cultural de sus ciudades" al tiempo que "empodera" y da "visibilidad" a las artistas femeninas, explicaba ayer Solans.
Visión de conjunto - Exposición Individual: Amador: Derives / Espacio 5 - CAC Centro de Arte Contemporáneo Málaga
Art Facts
Exposición Individual: Amador: Derives / Espacio 5
La estrecha relación entre la naturaleza y el hombre es la base argumental del vídeo del artista mallorquín Amador Magraner (Pollença, Mallorca, 1957) que se proyecta en el Espacio 5 del CAC Málaga. Esta pieza, Derives (2002) indaga en los procesos de transformación y cambio producidos en la naturaleza como reflejo de la constante fluctuación de la sociedad contemporánea actual.
El cortometraje Derives, de nueve minutos de duración, es posiblemente la obra cumbre del artista, en la que tienen cabida todas sus investigaciones y pensamientos. Utiliza sus originales esculturas antropomórficas a modo de sarcófagos que aparecen y desparecen flotando en el mar.
Una de las características más destacables del artista es su pasión por la experimentación y los materiales industriales. Según él mismo declara, pretende crear una atmósfera sensorial, "un espacio que incite a la reflexión, que provoque los sentidos".
Amador Magraner (Pollença, Mallorca, 1957) ha realizado numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas en galerías y centros de arte, sobre todo en Alemania y España.
Exposición Individual: Amador: Derives / Espacio 5
La estrecha relación entre la naturaleza y el hombre es la base argumental del vídeo del artista mallorquín Amador Magraner (Pollença, Mallorca, 1957) que se proyecta en el Espacio 5 del CAC Málaga. Esta pieza, Derives (2002) indaga en los procesos de transformación y cambio producidos en la naturaleza como reflejo de la constante fluctuación de la sociedad contemporánea actual.
El cortometraje Derives, de nueve minutos de duración, es posiblemente la obra cumbre del artista, en la que tienen cabida todas sus investigaciones y pensamientos. Utiliza sus originales esculturas antropomórficas a modo de sarcófagos que aparecen y desparecen flotando en el mar.
Una de las características más destacables del artista es su pasión por la experimentación y los materiales industriales. Según él mismo declara, pretende crear una atmósfera sensorial, "un espacio que incite a la reflexión, que provoque los sentidos".
Amador Magraner (Pollença, Mallorca, 1957) ha realizado numerosas exposiciones tanto individuales como colectivas en galerías y centros de arte, sobre todo en Alemania y España.
Victoria Camps y Jaume Plensa reciben el Premio Nacional de Cultura
La Vanguardia
Joan Fontcuberta y Agustí Villaronga son otros de los galardonados que asistieron a un acto presidido por el Príncipe de Asturias en el Palacio de El Pardo de Madrid
Barcelona (EFE).- Los catalanes Victoria Camps, Jaume Plensa y Joan Fontcuberta, y el mallorquín afincado en Barcelona, Agustí Villaronga han recibido el Premio Nacional de Cultura en sus respectivas disciplinas, en la ceremonia que presidió este martes el Príncipe de Asturias en el Palacio de El Pardo de Madrid.
El escultor Jaume Plensa ha donado los 30.000 euros del Premio Nacional de Artes Plásticas 2012 a la Fundación Banco de los Alimentos de Barcelona, cuyo objetivo es luchar contra el hambre más cercana, según ha informado hoy la citada Fundación.
Don Felipe hizo entrega de la mayor parte de los premios a lo más de 50 galardonados correspondientes a las ediciones 2011 y 2012 de los Premios Nacionales de Cultura.
El lingüista Francisco Rodríguez Adrados recogió la distinción de manos de doña Letizia, y no pudieron estar presentes algunos galardonados, entre ellos el escritor José Luis Sampedro, de 96 años
La actriz Blanca Portillo, el diseñador de zapatos Manolo Blahnik, el humorista gráfico Andrés Rábago (El Roto) figuran entre los galardonados, junto al músico Santiago Auserón.
Durante el acto, el príncipe de Asturias reclamó la colaboración de todos para superar la crisis que sufre España subrayando que, ante estas "graves dificultades", él mismo y el resto de ciudadanos deben extremar el cumplimiento de su deber y afrontar sus responsabilidades "con la mayor seriedad y rigor".
Don Felipe advirtió de que la actual crisis -con "dramas sociales" como el "altísimo nivel de paro"-, junto a la "urgente" necesidad de superar las dificultades "como sociedad", requiere "el impulso, la colaboración y el compromiso de todos".
"En estos momentos de graves dificultades, todos tenemos que extremar el cumplimiento de nuestro deber, afrontar nuestras responsabilidades con la mayor seriedad y rigor y mantener viva la confianza y el espíritu de superación", proclamó el heredero de la Corona.
El príncipe insistió a continuación: "Nadie está exento en estos momentos de la obligación de aportar lo mejor de sí mismo, como una exigencia cívica de ciudadanos, como un deber con nuestro país, a partir de nuestra libertad".
Se dirigió, asimismo, a los más de cincuenta galardonados que atendían a sus palabras en el Patio de los Austrias del palacio para ensalzar su "vitalidad, excelencia" y "pasión por crear", unos valores que, según afirmó, "deben ser fuente de inspiración para el conjunto de la sociedad que lucha y se debate ante lo difíciles retos del día a día".
"Vuestra imaginación, vuestra energía y vuestro espíritu innovador deben proyectarse hacia los más jóvenes que buscan abrirse camino y a todos los que luchan por retomar una estabilidad económica y laboral",recalcó.
Consciente de sus dificultades, animó además a los creadores a mantener "el buen nombre de España" y "proyectar con fuerza" su prestigio, ya que la cultura "es uno de los grandes activos" del país, "sigue estando al más alto nivel" y contribuye a reforzar la autoestima de los españoles y su imagen internacional en un tiempo que se caracteriza por "la vulnerabilidad de los estereotipos".
Tras la entrega de los 53 galardones, también intervino el ministro de Educación y Cultura, José Ignacio Wert, que elogió a los premiados como ejemplo "de que el genio creativo español no se detiene", sino que, en estos "tiempos difíciles", se hace "más agudo y combativo" y lucha por "poner su grano de arena" en el edificio cultural.
La continuidad de la cultura como alimento que sacia las inquietudes y anhelos del ser humano "exige un compromiso y una valentía a veces inaudita", reflexionó Wert, antes de concluir su discurso con estas palabras: "Gracias a todos por crear y reflejar el arte de vuestro tiempo y gracias, sobre todo, por hacerlo con vuestra insobornable libertad".
En nombre de los galardonados en 2011 dio las gracias el narrador Marcos Giralt, quien pidió al Estado que vele por los cientos de familias "arrojadas con sus enseres a la marginalidad", tras señalar que reivindicar la importancia de la cultura le da "cierta vergüenza" cuando en España están en cuestión derechos básicos "por la codicia de unos y la complicidad de otros".
En representación de los premiados en 2012, el periodista Jesús Hermida hizo un alegato a favor de la libertad, salpicado con anécdotas, e hizo votos para que esa libertad "para crear, reformar, renovar y hasta revolucionar" siga vigente "en todas partes: hoy, mañana y siempre".
21/2/13
Cis Lernaerts se’n va
Poques persones deixen un rastre tan profund en els que l'hem conegut. Cis Lenaerts se n'ha anat. I nosaltres, com ell mateix, sabíem que quan una malaltia tan terrible t'agafa dins les entranyes, no te'n pots salvar.
Vull pensar amb Cis Lenaerts com la persona excel·lent que era. Mai no es queixava. No tenia pensaments negatius. Cis estava sempre animat, fins i tot quan el dolor s'estancava en el seu cos. Malgrat tenir motius per estar amargat, la seva actitud davant l'existència era positiva.
La meva vida és més rica després del llibre "Darrere les ones" que vàrem fer junts. A cada reunió, la lectura del fragment corresponent del dia era seguida d'una llarga conversa com amics que érem, una xerrada que passava per gairebé tots els temes. Que estigués lligat inevitablement a una cadira de rodes no era motiu per no parlar d'altres malalties o de problemes, al contrari, el seu estat d'ànim hi estava molt per damunt. No puc negar que, quan fèiem el llibre, hi va haver moments difícils que m'afectaven emocionalment, però ell carregava la seua desgràcia amb resignació i sense fer-se el màrtir, com quan trobava els fills petits dels amics, se'ls posava sobre els genolls i els donava una volteta amb la cadira motoritzada. Als nens els agradava i ell es divertia. Aquesta era la seua actitud davant la vida. I tenia, això sí, una família que ha estat un exemple en circumstàncies tan dures com les que han passat.
Cis Lenaerts era d'aquestes persones que s'havien deixat captivar per Eivissa, on va venir a residir abandonant la seua Bèlgica natal. A més d'arquitecte i pintor, havia set professor de la progressista escola Blat, on projectava en els alumnes les ànsies de transformar una societat que, com jove que era, veia imperfecta. En arquitectura defenia la conservació del paisatge i el respecte a l'entorn, i així ho va fer en les cases que va projectar, amb un estil impecable. En pintura, aplicava la conceptualització i la síntesi a la projecció d'una idea simple que emanava força per ella mateixa. Vaig poder comprovar com, després d'una lectura, extreia la idea, la reformava i la plasmava al llenç en una recerca constant que es manifestava també a través dels materials. Asfalt, arena o terra eren inclosos en els seus quadres, sempre equilibrats i sempre innovadors. Pigments, olis, colorants o acrílics els treballava amb mestria. Era capaç d'incloure-hi fins i tot el món dels infants, sense perdre ni una pinzellada del seu estil propi. En els últims anys va realitzar diverses exposicions. La seva obra gràfica no tenia aturada.
En un dia com avui, no volem que Cis se'n vagi. Volem pensar que estarà sempre amb nosaltres, que no se n'ha anat, que descansa de la seua llarga i injusta malaltia, però que encara hi és. I que hi serà sempre.
Iolanda Bonet
escriptora
Vull pensar amb Cis Lenaerts com la persona excel·lent que era. Mai no es queixava. No tenia pensaments negatius. Cis estava sempre animat, fins i tot quan el dolor s'estancava en el seu cos. Malgrat tenir motius per estar amargat, la seva actitud davant l'existència era positiva.
La meva vida és més rica després del llibre "Darrere les ones" que vàrem fer junts. A cada reunió, la lectura del fragment corresponent del dia era seguida d'una llarga conversa com amics que érem, una xerrada que passava per gairebé tots els temes. Que estigués lligat inevitablement a una cadira de rodes no era motiu per no parlar d'altres malalties o de problemes, al contrari, el seu estat d'ànim hi estava molt per damunt. No puc negar que, quan fèiem el llibre, hi va haver moments difícils que m'afectaven emocionalment, però ell carregava la seua desgràcia amb resignació i sense fer-se el màrtir, com quan trobava els fills petits dels amics, se'ls posava sobre els genolls i els donava una volteta amb la cadira motoritzada. Als nens els agradava i ell es divertia. Aquesta era la seua actitud davant la vida. I tenia, això sí, una família que ha estat un exemple en circumstàncies tan dures com les que han passat.
Cis Lenaerts era d'aquestes persones que s'havien deixat captivar per Eivissa, on va venir a residir abandonant la seua Bèlgica natal. A més d'arquitecte i pintor, havia set professor de la progressista escola Blat, on projectava en els alumnes les ànsies de transformar una societat que, com jove que era, veia imperfecta. En arquitectura defenia la conservació del paisatge i el respecte a l'entorn, i així ho va fer en les cases que va projectar, amb un estil impecable. En pintura, aplicava la conceptualització i la síntesi a la projecció d'una idea simple que emanava força per ella mateixa. Vaig poder comprovar com, després d'una lectura, extreia la idea, la reformava i la plasmava al llenç en una recerca constant que es manifestava també a través dels materials. Asfalt, arena o terra eren inclosos en els seus quadres, sempre equilibrats i sempre innovadors. Pigments, olis, colorants o acrílics els treballava amb mestria. Era capaç d'incloure-hi fins i tot el món dels infants, sense perdre ni una pinzellada del seu estil propi. En els últims anys va realitzar diverses exposicions. La seva obra gràfica no tenia aturada.
En un dia com avui, no volem que Cis se'n vagi. Volem pensar que estarà sempre amb nosaltres, que no se n'ha anat, que descansa de la seua llarga i injusta malaltia, però que encara hi és. I que hi serà sempre.
Iolanda Bonet
escriptora
20/2/13
"SOC CAPAÇ" de Mercedes Laguens a Can Gelabert
Tenim el plaer de convidar-vos, aquest dissabte dia 23 de febrer a les 12 hores, a la inauguració de les exposicions Abraçant l'espai de Maria Isabel Uribe, Sóc capaç de Mercedes Laguens i In death and life de Ximena Yutronic.
Casal de Cultura Can Gelabert
C/ de la Portella s/n - 07350 Binissalem
Casal de Cultura Can Gelabert
C/ de la Portella s/n - 07350 Binissalem
Mitones calentitos con Tatiana Sarasa « IDocraft
Ido Craft
MITONES CALENTITOS CON TATIANA SARASA
El día que Tatiana nos ofreció su espacio Open Studio para realizar una asamblea del club surgió la idea de que nos ofreciera un taller de creación de mitones tejidos a dos agujas. Antes de que acabara el invierno nos teníamos que poner a ello, así que fue a finales de enero cuando tuvimos la suerte de tenerla como profe y anfitriona de un día genial en su estudio de artista.
El nivel del taller era medio y dentro del taller había tres patrones de diferente dificultad para realizar: mitones Pantone, Fern y Chunky. Cada una eligió según su nivel, de cada uno Tatiana nos había preparado fotocopias y pudo estar pendiente de todas las asistentes. De nuevo, igual que el día de la asamblea, Tatiana nos hizo sentir como en casa, tanto que nos costó mucho irnos. Y qué decir tiene que todas estuvimos encantadas con el espacio, la profesora y el contenido del taller.
El taller fue genial ya que además de aprender el patrón del mitón correspondiente no paramos de hablar del club, de nuestros temas, de lanas, de viajes, un poco de todo y no solo en el estudio, sino también el ratito que fuimos a comer por el barrio de Santa Catalina para retomar fuerzas.
Pero esto no fue todo, después del taller se había preparado un intercambio de material craft. Fue una gran idea que va mucho con la idiosincrasia del club, una actividad de compartir y sin ánimo de lucro. Esta otra actividad ayudó a que gente que no realizó el taller pudiera acercarse a saludar, a ver a las compañeras y a intercambiar aquel material craft que deseara. Tanto por el taller como por el intercambio pudimos conocer a nuevas compañeras que hasta ahora solo habíamos conocido por el grupo de facebook. La verdad es que fue una sesión muy entretenida a la vez que provechosa.
Durante los días siguientes al taller las alumnas fueron colgando sus mitones acabados en facebook y la verdad es que quedaron de lujo. Algunas incluso se han atrevido a realizar los tres patrones distintos, ¡si es que hay un nivel en este club!
MITONES CALENTITOS CON TATIANA SARASA
El día que Tatiana nos ofreció su espacio Open Studio para realizar una asamblea del club surgió la idea de que nos ofreciera un taller de creación de mitones tejidos a dos agujas. Antes de que acabara el invierno nos teníamos que poner a ello, así que fue a finales de enero cuando tuvimos la suerte de tenerla como profe y anfitriona de un día genial en su estudio de artista.
El nivel del taller era medio y dentro del taller había tres patrones de diferente dificultad para realizar: mitones Pantone, Fern y Chunky. Cada una eligió según su nivel, de cada uno Tatiana nos había preparado fotocopias y pudo estar pendiente de todas las asistentes. De nuevo, igual que el día de la asamblea, Tatiana nos hizo sentir como en casa, tanto que nos costó mucho irnos. Y qué decir tiene que todas estuvimos encantadas con el espacio, la profesora y el contenido del taller.
El taller fue genial ya que además de aprender el patrón del mitón correspondiente no paramos de hablar del club, de nuestros temas, de lanas, de viajes, un poco de todo y no solo en el estudio, sino también el ratito que fuimos a comer por el barrio de Santa Catalina para retomar fuerzas.
Pero esto no fue todo, después del taller se había preparado un intercambio de material craft. Fue una gran idea que va mucho con la idiosincrasia del club, una actividad de compartir y sin ánimo de lucro. Esta otra actividad ayudó a que gente que no realizó el taller pudiera acercarse a saludar, a ver a las compañeras y a intercambiar aquel material craft que deseara. Tanto por el taller como por el intercambio pudimos conocer a nuevas compañeras que hasta ahora solo habíamos conocido por el grupo de facebook. La verdad es que fue una sesión muy entretenida a la vez que provechosa.
Durante los días siguientes al taller las alumnas fueron colgando sus mitones acabados en facebook y la verdad es que quedaron de lujo. Algunas incluso se han atrevido a realizar los tres patrones distintos, ¡si es que hay un nivel en este club!
Artista en residencia actual Vicky Méndiz
ADDAYA CENTRE D'ART CONTEMPORANI
ALARÓ / MALLORCA
VICKY MÉNDIZ (Zaragoza, España, 1978)
vive y trabaja en Barcelona. Es licenciada en Historia del Arte y fotógrafa.
Su campo de creación se sitúa en lo cotidiano y en la relación íntima del ser humano con la naturaleza y la memoria. Investiga los límites entre lo visible y lo invisible dentro del ámbito de la fotografía y el inconsciente, explorando la sinestesia en su proceso creativo de trabajo.
Vicky fue artista invitada en el Inter Cross Creative Center de Sapporo (Japón) en 2007, y ha realizado exposiciones individuales y colectivas desde el año 2001 entre las que destacan Vouyeur en el espacio para el Arte de Caja Madrid en 2006, Descubrimientos Photo España en Madrid en 2008, Kokoro en la galería Spectrum de Zaragoza en 2009 , Cosas que perduran en la Sala Juana Francés de Zaragoza en 2011, Historias en el paisaje que itineró por Navarra entre 2011 y 2012, o Utsuroi con Shino Hisano en el Centro de Historias de Zaragoza, que se expondrá en Japón en 2013. Actualmente participa en el festival Miradas de Mujeres en la Sala Juana Francés.
Ha recibido numerosos premios y becas entre las que destaca la beca Casa Velázquez de Madrid que otorga el Ministerio francés de Enseñanza Superior y de Investigación, o la beca María Serrate del CDAN de Huesca con la que realizó el cortometraje documental Plossu. Fotografía e Inconsciente (2012). Su trabajo se ha publicado en revistas como Ojo de Pez en el número Girls, dedicado a fotógrafas internacionales. En 2010 publicó su primer libro Silencio enterrado.
Durante la residencia artística en Addaya Centre D´Art en Alaró trabaja la dificultad de construcción de imágenes desde la fotofobia. A la vez está editando el video y las imágenes del proyecto Fireflies y prepara su próximo proyecto Sukima que realizará en el mes de abril en Japón.
ALARÓ / MALLORCA
VICKY MÉNDIZ (Zaragoza, España, 1978)
vive y trabaja en Barcelona. Es licenciada en Historia del Arte y fotógrafa.
Su campo de creación se sitúa en lo cotidiano y en la relación íntima del ser humano con la naturaleza y la memoria. Investiga los límites entre lo visible y lo invisible dentro del ámbito de la fotografía y el inconsciente, explorando la sinestesia en su proceso creativo de trabajo.
Vicky fue artista invitada en el Inter Cross Creative Center de Sapporo (Japón) en 2007, y ha realizado exposiciones individuales y colectivas desde el año 2001 entre las que destacan Vouyeur en el espacio para el Arte de Caja Madrid en 2006, Descubrimientos Photo España en Madrid en 2008, Kokoro en la galería Spectrum de Zaragoza en 2009 , Cosas que perduran en la Sala Juana Francés de Zaragoza en 2011, Historias en el paisaje que itineró por Navarra entre 2011 y 2012, o Utsuroi con Shino Hisano en el Centro de Historias de Zaragoza, que se expondrá en Japón en 2013. Actualmente participa en el festival Miradas de Mujeres en la Sala Juana Francés.
Ha recibido numerosos premios y becas entre las que destaca la beca Casa Velázquez de Madrid que otorga el Ministerio francés de Enseñanza Superior y de Investigación, o la beca María Serrate del CDAN de Huesca con la que realizó el cortometraje documental Plossu. Fotografía e Inconsciente (2012). Su trabajo se ha publicado en revistas como Ojo de Pez en el número Girls, dedicado a fotógrafas internacionales. En 2010 publicó su primer libro Silencio enterrado.
Durante la residencia artística en Addaya Centre D´Art en Alaró trabaja la dificultad de construcción de imágenes desde la fotofobia. A la vez está editando el video y las imágenes del proyecto Fireflies y prepara su próximo proyecto Sukima que realizará en el mes de abril en Japón.
Borja-Villel: «Es absurdo que un Warhol o un Richter cuesten más que un Zurbarán» - ABC.es
ABC
El director del Museo Reina Sofía, que ha sido renovado en su puesto por cinco años más, hace balance de su gestión, desvela sus retos y habla de ARCO y del mercado del arte
Llegó hace poco más de cinco años al frente del Museo Reina Sofía, tras su paso por la Fundación Tàpies y el Macba. Fue la primera vez que el director de un gran museo español se nombraba siguiendo el Código de Buenas Prácticas: o sea, fue elegido por un comité de expertos y no a dedo por el político de turno. Recientemente, ha sido renovado en su puesto por cinco años más.
-Después de cinco años, ¿objetivo logrado? ¿Insatisfacción, satisfacción plena, moderada?
-Si el objetivo se ha logrado deberían decirlo ustedes. Satisfacción, sí. Se ha hecho el esquema y ahora queda desarrollarlo. Hemos mezclado disciplinas, empezamos a trabajar con el documento, introdujimos el cine y comenzamos a trabajar con una historia local en un mundo global. Hemos llegado hasta los años 70. Falta desde los 80 hasta la actualidad. Seguiremos haciendo exposiciones históricas, pero quiero poner énfasis en lo actual. Hemos desarrollado mucho las itinerancias de las exposiciones en lugares como el MoMA o la Tate. Y ha habido dos hechos muy importantes para el museo: la ley propia y la fundación. Son consecuencia del consenso sobre la necesidad de autonomía de la institución. Habla de una madurez institucional de nuestro país. Teniendo en cuenta la situación económica, es un instrumento de financiación esencial para el museo.
-Pero no todo ha sido un camino de rosas: el presupuesto público del museo, como el de todos, baja cada año; quisieron quitarle el «Guernica»... ¿Alguna crítica que le haya dolido especialmente?
-Lo bueno de la memoria es que es selectiva. El tema del «Guernica» ha hecho que Miguel (Zugaza) y yo nos acercásemos mucho más, porque cada uno busca lo mejor para su institución. Las relaciones con el Prado son en estos momentos excelentes.
-Tenemos idilio a la vista…
-Relaciones excelentes, idilio es algo utópico. La reducción del presupuesto la tienen todos los museos españoles. Dentro de lo que cabe, nosotros nos podemos considerar privilegiados. Hay instituciones que no tienen nada. Lamentarse, vivir en la nostalgia, es casi reaccionario, no sirve para nada. El pasado no vuelve. Pero hay que exigir que la cultura sea un derecho, la cultura como servicio público. Hay que exigir que no se caiga en la falacia de pensar que primero hay que cubrir las necesidades básicas y después la cultura, porque la misma noción de básico es cultural. Cuando todo iba bien muchos cuestionábamos un modelo que no tenía sentido. Pero la crisis te exige tomar soluciones ya, porque si no estás poniendo en peligro la propia subsistencia de la institución. Es el momento de reinventarse, de plantear nuevos modelos: crear la memoria de un país y generar conocimiento.
-¿La crisis está sirviendo para poner las cosas en su sitio, para que haya menos fuego de artificio en los museos?
-Se han hecho muchas barbaridades, como en todo. Pero el mundo de la cultura es la víctima. Parece que somos los responsables de que se hayan hecho auditorios que se caen…
-Los museos se resisten a entrar en una guerra de cifras de visitantes, pero al final todos lo hacen. ¿Les exige cuotas de público el Ministerio de Cultura?
-Los museos son espacios públicos: de la gente y para la gente. Una democracia es de las mayorías, pero con el respeto a las minorías. La cultura no es algo a corto plazo, no es una moda, no tiene un valor economicista.
-¿Es de los que prefiere no tener un museo masificado de gente, sino menos público pero más interesado?
-Prefiero hablar de múltiples minorías. Hay veces que hay tanta gente en un museo que acaba siendo imposible ver nada. Los grandes museos, que son los que tienen grandes masas de público, buscan cada vez más gente pero se dan cuenta de que es contraproducente. Es fundamental para la higiene mental cultural de este país que se visiten también los pequeños museos, tienen derecho a proporcionarles recursos. Son los primeros en caer.
-Una de las críticas que se le suelen hacer es que sus exposiciones son «minoritarias, densas, de tesis», que ha querido imponer en el Reina Sofía el «estilo Macba». ¿Qué ve de justo en estas críticas?
-Hemos doblado el número de visitantes. O sea, que muy minoritarios no seremos. Cuando haces programación, intentas equilibrar. Ahora tenemos tres exposiciones muy populares: la colección Phelps de Cisneros, Cristina Iglesias y Dalí, obviamente, lo será. Pero no se ha hecho por eso. Sí es cierto que no solemos hacer exposiciones de grandes nombres populares. Si todos hacemos lo mismo, es muy aburrido. Somos un museo y centro de arte contemporáneo. Si hay algo que nos falta es la parte contemporánea: es algo en lo que tenemos que incidir más. En cinco años llevamos unas noventa exposiciones. Sólo he dedicado cuatro de ellas a artistas de los que ya organicé en su día otras muestras en Barcelona. Si analizas la programación de la Fundación Tàpies, el Macba y el Reina Sofía son muy diferentes.
-¿En su visión de los museos cabe el espectáculo?
-El arte es una experiencia física, afectiva, de piel. La función espectacular acaba buscando la emoción rápida, un titular, visitantes, comercio. Es un gran error, en el cual a menudo caemos. Hay una tendencia a repetir los mismos nombres, las mismas exposiciones, que se han convertido en marcas. Es otra de las contradicciones: pan para hoy y hambre para mañana.
-Acaba de ser confirmado para otros cinco años. ¿Cuáles son sus retos?
-No acumular, sino compartir. Ese es el reto.
-¿Cuándo comenzará a viajar por el extranjero la colección del museo, como ya hace desde hace tiempo la del Prado?
-En 2014 irán unas 60 obras del último Miró a Seattle, que después itinerará por Estados Unidos. No se trata de coger colecciones y venderlas fuera para generar recursos. Se trata de intercambiar. Haremos en Settle cuatro exposiciones.
-¿Mecenas como Patricia Phelps de Cisneros podrían tener sala con su nombre en el museo, como ha hecho el Prado con José Luis Várez Fisa?
-No se ha pensado, pero no tendría ningún inconveniente. Pero que no sea una capilla o un mausoleo. Cuando acabe la exposición de la colección Phelps de Cisneros habrá en el museo una sala, junto a la del expresionismo americano, donde estará el equivalente latinoamericano.
-Con la entrada cada vez menor de dinero público, ¿cómo se atrapa a un millonario, sin ser Marilyn Monroe, para que invierta en un museo?
-Se atrae creando una fundación, haciendo que estén representados en el Patronato. En cuanto a los incentivos fiscales, en el Reina Sofía son de hasta el 40% gracias a la nueva ley.
-¿Cómo valora las palabras del presidente del Gobierno en el Prado? «El mecenas no espera nada a cambio... La generosidad no sólo depende de incentivos económicos», dijo Rajoy.
-Tiene que haber incentivos para que eso ocurra, porque si no es muy complicado.
-A Ángeles González-Sinde la tenía ganada para la causa. ¿También a José Ignacio Wert y José María Lassalle?
-La relación con ellos es impecable. Hay un apoyo y respeto institucional importante.
-O sea, que se siente respaldado por Cultura...
-Sí.
-Chris Dercon, director de la Tate Modern, se deshace en elogios hacia su gestión en el museo. ¿No tiene la sensación de que se está entendiendo y valorando más su proyecto internacionalmente que en España?
-No tengo esa sensación. Pero sí me consta que la colección del museo se discute en universidades americanas como en Harvard.
-Para unos los museos son mausoleos y para otros centros comerciales. ¿Está muerto el concepto tradicional de museo?
-Totalmente.
-¿Ve muchos mausoleos y centros comerciales entre los museos del mundo?
-Sí, sí, bastantes.
-Parece que en plena Milla de Oro de Madrid hay una pugna entre fundaciones y museos. Miguel Zugaza hablaba de una Olimpiada de exposiciones en la capial, Guillermo Solana aludía a «un local donde el Museo d'Orsay ha abierto una sucursal» (refiriéndose a la Fundación Mapfre)... Esta institución iba a hacer una exposición de Dalí, que finalmente hará usted en el Reina Sofía… ¿Ve competencia desleal, como creen algunos, en el papel de las fundaciones?
-En absoluto. Cuanta más competencia haya, cuantas más cosas pasen, es mucho mejor.
-No deja de ser paradójico que se les acuse a las fundaciones de comprar exposiciones, cuando los museos las venden fuera de España…
-En primer lugar, hay una ley de Fundaciones y, en segundo, a Mapfre la tenemos en el Patronato. Si me quitan una exposición, pues qué le voy a hacer…
-¿Qué ocurrió con Dalí?
-No hubo una guerra española, sino francesa. El Grand Palais quería hacer una exposición, habían hablado con Mapfre. Pero la guerra fue entre Grand Palais y Pompidou; llegó hasta el ministro. Nosotros habíamos hablado con el Pompidou y el Grand Palais con Mapfre. En Francia se la quedó el Pompidou, por eso la hacemos nosotros.
-¿Sigue de cerca el mercado del arte?
-El mercado del arte no se deshincha. Aparecen obras muy importantes. Es absurdo que un Giacometti cueste 70 millones, un Warhol 20 millones... Es absurdo que un Warhol o un Richter cuesten más que un Zurbarán. Lo entiendo sociológicamente, pero no moralmente. No debería ser así. Hay una burbuja, un interés por lo contemporáneo. Hoy el canon lo marca el mercado, que está hinchado. En los años 40 y 50 lo marcaban los críticos. Y eso nos influye muchísimo en los museos. No hay un museo público que pueda comprar estas obras. Sólo las grandes fortunas.
-¿Los grandes magnates (Abramovich, Geffen…) han venido a sustituir a los críticos y los curators?
-Las megagalerías son las que marcan. Es importante que los museos ganen músculo. Y la forma de hacerlo es creando estructuras internacionales, compartiendo colecciones…
-¿Tanto se ha pervertido el mercado del arte?
-Hay artistas que estoy convencido de que en veinte años valdrán muy poquito.
-Gerhard Richter es el artista vivo más cotizado. ¿Qué le parece?
-En el caso de Jeff Koons o Damien Hirst le diría que son una cosa meramente de mercado. No sé si usted o yo estaremos dentro de 20 años, pero habría que ver cuánto valdrán sus obras. Richter es un grandísimo artista, pero sus precios están sobredimensionados. Hay otra burbuja: Brasil. Allí hay muchísimo dinero y grandes coleccionistas que compran obras de artistas brasileños. Sus precios son prohibitivos. Eso, al final, puede acabar siendo contraproducente, porque las obras difícilmente podrán salir de Brasil. El propio mercado puede generar problemas para la obra de un artista.
-¿Dentro de 20 años nadie se acordará de Koons y Hirst?
-A nivel sociológico, probablemente sí. A nivel poético creo que no, francamente.
-Estamos en pleno ARCO. Algunos vaticinaron su debacle. ¿Está usted entre ellos? ¿Se está demostrando que no era una feria tan sólida como nos vendían?
-Es un modelo que ha ido perdiendo oportunidades. Ha habido cierta confusión desde el principio. La primera confusión fue en los 80, cuando ARCO era una gran fiesta. Se confundió lo social con el intercambio. Había cosas absurdas: gente que iba a ARCO y no iba al Prado ni al Reina Sofía... También se perdió la oportunidad de Latinoamérica. Y esto es sangrante. Art Basel ha sabido redefinirse. ARCO quizá deba replantear su modelo. Se ha perdido la batalla del arte latinoamericano (los grandes coleccionistas van a Miami), la parte joven (van a Frieze)… Una feria es un lugar de intercambio. Hay muchas formas de hacerlo. Igual puede ser un intercambio de ideas.
-Pero al fin y al cabo una galería vive de vender…
-No me corresponde a mí decidirlo, pienso en voz alta. Hay muchos modelos de feria. Está el tradicional: vender obras en un «stand». Los museos y los artistas se replantean su papel y las galerías también deberían hacerlo: no deben ser sólo un lugar donde colgar cuadros y esperar a que alguien los compre. Podrían plantearse producciones, ser algo parecido a una agencia, algo más dinámico. La nueva generación va en este camino. Igual las grandes galerías vienen a ARCO si hacemos otras cosas.
-A Miquel Barceló le preguntaron en una reciente visita a Madrid por el Reina Sofía. Dijo que no le habían propuesto ninguna exposición, que no había visto aún la reordenación de la colección, pero que era previsible. ¿Algún comentario?
-En el museo se hizo una exposición de Barceló hace poco y hubo otra en «la Caixa». Si hay un artista al que estoy muy vinculado afectivamente es Tàpies y no he hecho ninguna exposición suya en estos cinco años. La reordenación de los 80 y 90 la estoy haciendo ahora.
-¿Ha visto su exposición en la galería Elvira González?
-Aún no, porque he estado en Nueva York, pero iré. Las veo todas.
-¿Cómo estará representado Barceló en el museo?
-Lo estoy trabajando. No lo sé aún. Nunca trabajo de un modo reactivo, sino tratando de generar un discurso.
-¿Y después del Reina Sofía qué? ¿Estará estos cinco años? Hay rumores que le sitúan en la Documenta de Kassel, en el MoMA… No está mal.
-Siempre que he estado en un sitio he intentado acabar mi trabajo. No tengo planes de futuro. Estoy centrado en el Reina Sofía.