30/9/12

La faceta de dibujante del escritor Pau Faner

Pau Faner comparte sus dibujos más automáticos, recopilados desde hace años, con sus amigos de Facebook

Anna M. Bagur | 27/09/2012
Hace un par de semanas que el escritor Pau Faner (Ciutadella, 1949) comparte en su Facebook una serie de dibujos a tinta, acompañados de escuetas leyendas. Ilustrando la frase 'una imagen vale más que mil palabras', se vale de técnica figurativa gráfica, en blanco y negro, trazo plano y descriptivo, sin intención académica, pero con la sensación de ser un obra directa y auténtica.
«Tengo muchos dibujos que siempre he hecho, así como pinto también dibujo a lápiz, y luego paso a tinta. Los hago porque me gusta y me distrae», comenta el autor. El dibujo le da la libertad de lo espontáneo y cercano, sin color y en pequeño formato. Imágenes de acción automática, muy surrealista, «que elaboro mientras me hacen una entrevista, durante un viaje, algunos durante las guardias de instituto, o en una conferencia...». Su resultado son composiciones que surgen de su imaginación con las que forma una historia, sin modelo, ni realidad de referencia. «Es lo que se hacer», con las palabras escribir una literatura definida como realismo mágico; con las imágenes un surrealismo mágico. Sin normas, ni trabas mentales.
Luego aparece el título. «Unas veces tiene relación con la composición surgida, otras son palabras que oigo durante el proceso», porque la imagen y la palabra siempre son compatibles, «lo que no es compatible es escuchar y escribir».
Son pequeñas obras, DIN A4, creadas por contacto, un detalle se enlaza con otro siguiendo la técnica narrativa que con el título, en inglés, catalán o castellano, «me gustan los idiomas y no tengo problema con ello», completa la obra. Aunque en sus exposiciones tanto pintura como dibujo estaban presentes en los montajes, «estos dibujos no se han expuesto nunca, tengo varias carpetas que ahora cada día voy escaneando y me gusta compartir».

Dos ejemplos donde aparece la mujer como elemento recurrente, desnuda y siguiendo los cánones sexuales más aceptados

Neus Marroig "Projecte TS-St: fragment, memòria i còpia"



Exposició "Projecte TS-ST: fragment, memòria i còpia" al Museu Modernista Can Prunera de Sóller, Mallorca. Una exposició basada en la recerca de la part més popular, anònima i emotiva dels 100 anys d´ història del Tren de Sóller.

Dijous 4 d'octubre a les 19.30h: Clausura amb lectura de postals TSST i acció performativa amb el grup de teatre amateur "Curriola".


+ info:
http://youtu.be/jBD0z8O9OUA
http://www.lauramarte.com/index.php?/projectes/projecte-ts-st-fragment-memoria-i/

Tino Sehgal en la sala de turbinas. Y donde le dé la gana.



Artícle publicat a a-desk.

Tino Sehgal es una de esas figuras cuyo trabajo jamás pasa desapercibido. Las últimas reseñas de la recién finalizada documenta destacaban la fuerza de su intervención y lo señalaban como uno de los puntos imprescindibles de la cita. En algunos casos, era la pieza de Sehgal la que se alzaba como piedra angular de una cita que, bajo el cartel del no-concepto, ha suscitado diversidad de opiniones. Sin embargo, la figura del anglo-alemán, que actualmente copa los grandes espacios y citas del arte mundial, evoluciona intocable. Asciende imparable.

Hablar de Tino Sehgal no es tarea que se solucione con una lectura ágil del material que ha ido generando su intensa carrera. Las páginas son escasas y éstas se centran en un análisis puramente emocional de lo que la escena provoca en sus partícipes. Como público, la experiencia raramente es pasiva, lo que nos lleva del lugar del espectador al de cómplices de estas situaciones. No es este un análisis distinto ni revelador. Cruzar la puerta que separa la calle y el hall de entrada de la TATE Modern supone traspasar un límite entre lo real y lo realizado. Las connotaciones que como antiguo generador de energía perduran en la sala de turbinas, obligan a los artistas que la intervienen a tener en cuenta esa clausula inherente al propio espacio. Anish Kapoor, Olafur Eliasson, Rachel Whiteread o más recientemente Ai Weiwei han optado por sacar el armamento pesado para no arriesgarse. Sehgal la ha llenado de vacío y movimiento, pero no de un movimiento monótono y mecánico. No hay coreografías circunscritas, éstas se funden por momentos con la actividad cotidiana de la gran sala, alentadas por consignas e historias que se repiten a lo largo de la jornada. Estos relatos son emitidos por los diferentes personajes que se ocultan entre la masa, sin distintivos que los diferencien del resto.

Fiel al imprevisible devenir de sus acciones, el suelo comienza a vibrar bajo los pies de una manifestación incontrolada. La multitud estalla y la explosión desplaza a las personas que, a nuestro lado, pasaban desapercibidas entre la muchedumbre, como espectadores impasibles. Esto, unido a los constantes apagones y parpadeos del alumbrado de la sala, provoca el desconcierto entre quienes incrédulos, asisten a una nueva demostración de que "el mundo se ha vuelto loco" o "estos artistas nos quieren tomar por tontos". La energía ya no es fruto de un generador, son los individuos organizados los que la provocan. Es por esta razón por la cual el espectador ya no es espectador, sino actor, aunque todavía no lo sepa. Acorde con el momento histórico que nos toca vivir, la obra de Sehgal no cuenta a priori con un marcado carácter político. Es difícil, sin embargo, no contemplar esa opción teniendo en cuenta lo revolucionario de sus propuestas. Una multitud no organizada que de manera espontánea decide romper con su conducta autómata. Probablemente nos suene de algo.

Resulta inusual enfrentarse a una obra cuyo poso no se manifiesta en forma de catálogo, de registro videográfico ni de ningún otro modo. Las instituciones adquieren sus obras mediante un contrato verbal en el que es el artista, y sólo el artista, quien establece las condiciones. Podríamos entonces calificarlo de farsante o valorar la importancia que este tipo de decisiones para sustentar un trabajo que de otro modo corre el riesgo de convertirse en carne de fieras para ansiosos coleccionistas. Para desconcierto de los amigos de lo provocativo, Tino Sehgal tampoco levanta la voz, no vende una imagen de enfant terrible ni se erige abanderado de ninguna causa tendenciosa. Sehgal no oculta sus referentes y tras su trabajo están: Bruce Nauman, Dan Graham, John Cage o Fluxus al completo por citar algunos. Sin embargo, el museo ha sido el cementerio de una buena parte de ellos, con los restos del decorado convertidos en reliquias que engordan el acervo y sus imágenes avejentadas en apenas cinco décadas. Aprender de los errores del pasado es lo que lo ha llevado a rechazar todo souvenir extraído de su trabajo. No hay guiones, fotografías ni proyecciones que certifiquen lo sucedido. Todo material registrado es papel mojado porque nada nos da una dimensión real de lo acaecido.

Experimentar el trabajo de Sehgal exige estar ahí, introducirse en el espacio sin información previa o con información imprecisa. Da igual que nos cuenten el final de la película porque no se trata de eso, sino de una experiencia que en algunos casos perturba nuestros sentidos creando una confusión ante la cual, por exceso de influencia del avance tecnológico, parecíamos habernos inmunizado. Sehgal deja claro, de un modo avasallador, que lo que nos rodea jamás dejará de sorprendernos. No es necesario infestar el mundo de criaturas u objetos misteriosos, ni jugar con efectos enlatados a provocar el pánico o la felicidad. Es en las situaciones que se nos muestran incontrolables en las que nos sentimos confusos. Cuando no sabemos qué va a suceder a nuestro alrededor, un mínimo gesto puede fracturar nuestro equilibrio y es ahí donde Tino Sehgal ha decidido rascar. Poco cuenta entonces haber presenciado alguna de sus situaciones construidas anteriormente para hacerse a la idea de lo que en la sala de turbinas ocurre, porque lo único que vale es asistir y lo indeterminado de toda reflexión teórica no hará más que ahogarnos en la sinopsis de una experiencia que precisa ser vivida.

Anti_dog, vestits per a la confrontació: ACCAIB



Accaib

Article publicat a Diari de Balears, el 23/2/2012
Per Pau Waelder

Anti_dog

Alícia Framis
El Corte Inglés/ Es Baluard Museu d'Art Modern i Contemporani
Performance, 20 de setembre de 2012

Durant la Nit de l'Art de Palma, l'entrada dels grans magatzems El Corte Inglés al cèntric carrer de Jaume III va ser l'escenari escollit per l'artista Alícia Framis (Barcelona, 1967) per a la realització de la performance Anti_dog (2002), que forma part dels fons d'Es Baluard a través de tres fotografies que recullen representacions prèvies d'aquesta acció en diferents ciutats europees. Inspirada per una sèrie d'atacs racistes i de violència de gènere que van tenir lloc a Berlin, l'artista va idear una acció en la qual un grup de dones immigrants, vestides amb roba dissenyada o inspirada en els grans noms de la moda (Jean-Paul Gaultier, Chanel, Dior...) que s'ha confeccionat amb Twaron (un teixit ignífug i més resistent que l'acer), resten immòbils en mig d'un lloc de pas dels vianants a l'espai públic. L'acció suggereix una reflexió sobre la violència que pateixen certes dones al carrer per la seva condició d'immigrants i planteja una confrontació amb el públic, que es veu forçat a passar entre les participants, maniquins vius en robes de color groc lluent, que semblen protegides pels seus vestits però alhora van mostrant la seva fragilitat. Alícia Framis ens comenta personalment les seves reflexions sobre aquesta performance i el seu treball actual.

Recuperes Anti_dog deu anys després d'haver-la creada. Com et sents, avui, respecte a aquesta obra? Has pensat modificar-la aprofitant que la tornes a fer?


Personalment estic molt contenta de fer-la, perquè quan vaig fer Lost Astronaut (2009) em vaig dir a mi mateixa: "aquesta és la darrera performance que faig", i ara que torno a fer-ne aquesta, era com recuperar quelcom que volia apartar de mi. La veritat és que ara és el millor moment, després de presentar-la a la Biennal de Venècia no la volia fer més, però ara l'he recuperada amb il·lusió. Fins i tot diria que és una peça clau en la meva trajectòria: des del sector de la moda es va rebre molt bé que fes quelcom una mica reivindicatiu. Així que considero un triomf que no hagi funcionat només per al món de l'art. Pel que fa a modificar aquesta performance, no vull introduir res de nou però sí fer palès el pas del temps i les vicissituds que ha patit: amb tants viatges, hem perdut botes, s'han espatllat els vestits, i ara els vull mostrar així, amb els seus defectes i la seva fragilitat.

Has optat per presentar la performance a la porta dels grans magatzems i no dins el museu. Cal fugir del cub blanc?


Amb Anti_dog vull generar una confrontació, portar l'acció al públic, i per aquest motiu en cada ciutat on ha tingut lloc hem cercat un context diferent, com ara la Setmana de la Moda a Paris, l'esplanada davant del Museu Reina Sofia a Madrid o l'entrada de l'estadi de l'Ajax a Amsterdam. En aquest cas, considero que té més interès portar a terme la performance en la porta d'El Corte Inglés que no en la d'Es Baluard, perquè al museu l'art sempre està protegit, en un escenari molt definit, mentre que al carrer, davant els grans magatzems, puc generar un enfrontament directe amb el públic.

La relació amb els grans magatzems introdueix una reflexió sobre el consumisme, que també explores a obres com Moonlife Concept Store (2012)...


Efectivament, però encara que en aquesta obra hi ha la vessant del marxandatge, m'interessa més explorar l'aspecte de l'estètica relacional, en la que l'art és una eina. En el fons, quan demano a artistes o dissenyadors fer prototips per als meus projectes, el que vull és que l'art, en comptes de situar-se en un pedestal, sigui part de la vida quotidiana, que esdevingui una eina. Aquest i altres projectes sempre han tingut lloc en botigues reals, locals que es troben a peu de carrer, perquè m'interessa que el públic els trobi sense integrar-los en el context del món de l'art.

Tornant al món de la moda, com s'integra dins la teva obra i particularment a Anti_dog?


D'una banda, m'interessa molt el món de la moda i les seves possibilitats, hi han dissenyadors que treballen molt bé i experimenten com ho fem els artistes. En les desfilades o en les revistes treuen models que no són comercials i finalment desapareixen. En la moda encara es poden fer moltes coses, crec que és un terreny molt poc explotat per l'art. D'altra banda, atès que vaig estudiar amb els artistes dels anys 70, em vaig adonar que si seguia treballant amb performance, no podia estar nua, ara això ja no té sentit. En el fons s'està més nu amb la roba, el que portes diu molt de tu.

Els artistes fan també "models de passarel·la" i "prêt-a-porter"?


Si, de fet alguns col·legues m'han comentat que quan exposen en la galeria volen fer per exemple una instal·lació de 3 x 3 metres, i el galerista els diu "d'acord, però fes alguna peça que pugui vendre." Aquest és un fet habitual. També és cert que no hi han tants col·leccionistes que puguin comprar una gran instal·lació, i cada cop més volen peces més assequibles. En aquest aspecte, el mercat i les galeries tenen moltíssim poder, quelcom que finalment és contraproduent amb el que l'art és en si.

Lluis Maraver a l'Instituto Cervantes de Múnich


(c) Luis Maraver

Luis Maraver, Pascual de Cabo und Tomas Horrach Bibilioni zeigen ein weites Spektrum unterschiedlicher künstlerischer Positionen der aktuellen spanischen Malerei. Ihre Bildideen sind klassisch modern und werden, zum Teil mit verfremdenden mystischen Elementen, handwerklich gekonnt umgesetzt. Oft ist ihr Thema das Licht und seine Intensität und der mitteleuropäische Betrachter empfindet die Bilder als Gegenpol zur manchmal grauen Wirklichkeit in den nördlichen Breiten.

AUSSTELLUNG
22. Sep. bis 27. Okt.,
Di - Fr 14-18h und
Sa 11-14h

Galerie Edition Camos
Aldringenstr. 1a
80639 München
Informationen:
089 / 12 02 17 63 undwww.edcamos.de/
Licht des Südens

INSTITUTO CERVANTES
Spanisches Kulturinstitut
Alfons-Goppel-Straße 7
D-80539 München
Tel. (089) 29 07 18-0
Fax. (089) 29 32 17

http://www.cervantes.es/
http://www.munich.cervantes.es/

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Erwin Wurm mete en el CAC su casa familiar, reducida seis veces su anchura | Andalucía-Málaga | elmundo.es


El Mundo

C. Díaz
Como si hubiese estado guardando su línea durante meses, dedicada a una estricta dieta no solo para no coger peso, sino también para perderlo considerablemente, la casa del artista Erwin Wurm se alza como una de las creaciones más llamativas del Centro de Arte Contemporáneo.

Aunque su nombre ya da alguna pista sobre lo que se va a encontrar el espectador en la sala central del CAC (The Narrow House, 'la casa estrecha'), el impacto está asegurado. La vivienda deformada por este artista austriaco es una réplica del hogar que sus padres construyeron durante los años sesenta y pretende transmitir el estricto orden moral que se imponía en la época. Algo que ha conseguido, puesto que caminar por el interior de esta obra es tarea más que complicada debido a las reducidas proporciones del mobiliario y la constricción de sus pasillos.

«En los años 60 no notaba que la casa fuera tan estrecha y que hubiera tantas restricciones, pero ahora, echando la vista atrás, sí se nota esa estrechez», ha asegurado este viernes Wurm durante la presentación de la exposición.

A lo largo de su carrera como artista, el austriaco afincado en Viena ha empleado materiales diversos y con diferente intencionalidad, pero siempre intentando resaltar lo efímero de lo material y las formas. Aunque la pequeña casa, que sería el cuarto de juegos perfecto para un niño, no solo hace alusión al rígido control de la sociedad sesentera.

Según ha confesado Wurm, todo surgió cuando una «gran institución de arte en China» que cuenta con un gran espacio le ofreció un pasillo muy estrecho para su muestra. La «furia» que le provocó este hecho fue el impulso perfecto para realizar esta construcción y además de permitirle canalizar la emoción suscitada, le reportó un gran éxito en el país asiático por encima de otras obras que también había presentado.

Los malagueños podrán disfrutar de esta casa cuyas proporciones serían las idóneas para desfilar en cualquier pasarela del mundo de la moda hasta el próximo 11 de noviembre. Además de esta instalación, Wurm también expone distintas esculturas realizadas a partir de objetos cotidianos y edificios deformados hasta quedar casi irreconocibles y un vídeo sobre el proceso creativo del artista.

¿Qué aportan las TIC al patrimonio cultural?


HOYESARTE.COM

El rápido avance de las TIC (Tecnologías de la Información y de las Telecomunicaciones) en la conservación, gestión y difusión del patrimonio cultural permite ir sustituyendo, cada vez con mayor celeridad, unas herramientas por otras, multiplicando las posibilidades de los expertos pero también suscitando nuevas cuestiones y desafíos, especialmente en el campo de los museos y de los yacimientos arqueológicos.

Del 26 al 28 de septiembre, la Universidad de Alcalá (UAH) y la Fundación Carlos de Amberes organizan el II Seminario sobre Patrimonio e Innovación Digital, dirigido a profesionales del sector, que pretende dar a conocer los últimos avances en el emergente campo de los museos virtuales, la educación formal e informal y el turismo cultural.
Consultar programa completo

25/9/12

Ángel Pascual: 'Esta exposición es un viaje a los sentimientos juveniles' - Aragón - El Periódico de Aragón




Entrevista de Joaquín Carbonell a Àngel Pascual a El Periodico de Aragon


Ángel Pascual: "Esta exposición es un viaje a los sentimientos juveniles"


--¿Qué muestra en el aula de la naturaleza?
--Cuelgo 38 posters, alguno de ellos inéditos. Son de los años setenta, realizados con mi hermano Vicente. Realizados de forma casi manual, con métodos que ahora no se usan.

--Recuerdo casi todos, el de Andalán por ejemplo.
--Claro, nos lo encargó Eloy Fernández y como lo hicimos antes de que apareciera Andalán, las letras no son las mismas.

--Yo tengo un ejemplar de otro cartel mítico: el concierto de los cantautores en el teatro Principal.
--Lo tienes porque te lo regalé yo. Ya no quedan ejemplares así que tiene mucho valor. Dibujamos el teatro Principal en medio de los Monegros, con una nube encima. Es un cartel muy simbólico, reflejo del desierto cultural que se vivía.

--¿Esos carteles que exhibe están a la venta?
--Si tenemos algún ejemplar se venden, pero apenas quedan, no son reediciones sino originales. No son muy caros para lo que significan, 50 euros, porque incluso ya tienen mucho valor económico.

--Hay otro poster de Miguel Labordeta que tuvo mucha difusión.
--Sí, tiene una historia muy curiosa porque nos lo encargó el propio José Antonio. Le dijimos que reproducirlo costaba mucho dinero, y que en todo caso si lo pagaba, él sería el productor y le devolveríamos lo invertido a medida que se fuera vendiendo. No quiso nada, nos cedió todos los beneficios...

--No lo sabía...
--Hay algo que no se le ha prestado mucha atención de José Antonio Labordeta y es que era un gran amante de la pintura, acudía a todas las exposiciones y animaba a sus amigos a visitar. Y sobre todo compraba mucha obra, por gusto y por ayudar a los nuevos pintores.

--Eso sí lo sabía.
--En la exposición suena una canción de Labordeta y se proyecta además una película en super8, de la presentación de Andalán en Ainsa, un montaje que hice con mi hermano. .

--Esto habrá emocionado a muchos visitantes.
--Han llorado incluso. Te comentaban que es un viaje al pasado más sentimental, porque en estos carteles está la juventud de muchos aragoneses. Algunos te cuentan que tenían ese poster pero que lo han perdido.

--Qué emoción.
--Todo esto significa un modelo de hacer cultura de aquellos años, donde la gente se nutría casi con ansiedad. Ahora tenemos muchos canales, pero creo que la gente joven está muy distraida y dispersa.

Qui forma part del jurat per triar director a n'Es Baluard?



L'AAVIB s'ha sumat a l'iniciativa de l'IAC d'enviar una carta al Sr. Fernando Gilet per a que ens informi sobre la marxa del concurs per a la contractació del director del museu Es Baluard de Palma. Carta que es va enviar el passat divendres 21 de setembre.

Amb la nostra petició volem conèixer la composició del jurat, quines són les persones que han de decidir qui ocuparà la direcció del museu i la data prevista de publicació de l'acta del jurat.


Esperam notícies.
La Comissió Executiva de l'AAVIB

24/9/12

Tomeu Ventayol, Vicenç Ochoa, Xim Jurado, Mariano Mayol i +: PETIT FORMAT Galeria Joan Melià a Alcúdia.


Tomeu Ventayol, Vicenç Ochoa, Xim Jurado, Mariano Mayol, Toni Font, Javier Alkain, Ñaco Fabré Robert Ferrer, i Felip Caldés a una exposició col·lecctiva anomenada PETIT FORMAT a la Galeria Joan Melià a Castellet, nº29, Alcúdia el 29 de setembre a les 20.00h.

e-mail: galeriajoanmelia@gmail.com
web:galeriajoanmelia.com

NURIA ROMÁN: 1.000 soles desde Menorca por la cooperación y la solidaridad



La fiesta del Fons Menorquí concluye con la «obligación de cambiar el mundo»

Los antiguos cuarteles de Es Mercadal albergaron ayer la fiesta anual del Fons Menorquí de Cooperació. El acto tuvo su momento más emotivo por la tarde con el encendido de casi un millar de velas que formaban la imagen de un sol diseñado por Nuria Román. El cierre definitivo lo puso un mensaje de los organizadores en el que destacaban estas luces como un símbolo de esperanza «y con un mensaje claro. Tenemos la obligación de cambiar el mundo» explicó la gerente del Fons, Marga Benejam.

Previamente pasaron por el recinto ferial unas 500 personas que pudieron disfrutar de talleres de escritura india, de costura creativa, mandalas, un mercado de intercambio de ropa, actuaciones para niños y de la coral de gospel Moments de Cor.

Por la mañana, en una reunión privada, los dirigentes del Fons Menorquí analizaron junto a los representantes institucionales la importancia de la cooperación internacional y la necesidad de contar con un ente que gestione estas ayudas. Tomaron parte medio centenar de concejales y miembros de otras entidades.

Convocatòries 9.4

Becas para residencias artísticas UNESCO-Aschberg 2012

Abierta la convocatoria española de la itinerante iberoamericana "SALTANDO MUROS"

Abierto el plazo de inscripción para los visionados de porfolios de Trasatlántica PHotoEspaña en Costa Rica y México

40 galerías italianas buscan nuevos artistas internacionales a través del Premio ORA 2012

SCOPE Art Fair de Miami abre la convocatoria "Art Takes Miami 2012″

Proyecto de Arte Urbano. Mural Colectivo de la Ciudad de México 2012

Premio Literario Casa de las Américas 2013

Premio Fundación Williams de Arte Joven 2012 para artistas menores de 35 años residentes en Argentina

VI Premio Nacional de Pintura Banco Central 2012 en Argentina

Convocatoria a la Cuarta edición del Premio Itaú Cultural de Artes Visuales

Convocado el Premio anual Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires a la Producción Artística

Convocado Premio Faena a las Artes 2012

Abierta la convocatoria de la Fundación Japón para cooperación cultural en artes escénicas

Convocatoria de espacios expositivos 2013/2014 del CEART-Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada

Programa de residencias artísticas 2012 del Museo de Arte contemporáneo Gas Natural Fenosa de A Coruña

El centro Hangar de Barcelona abre la convocatoria para realizar estancias en su residencia entre enero y julio de 2013

1º Concurso Literario Falsaria de Microrrelatos de temática policiaca

Abierta la convocatoria de Microrrelatos del programa cultural "Wonderland", en colaboración con l'Escola d'Escriptura de l'Ateneu

El INAEM abre la convocatoria "Girando por salas" (GPS)

Abierta la convocatoria del programa de apoyo a emprendedores culturales 10×10 Pública A Coruña

VI Convocatoria del Premio Internacional de Novela Gráfica Fnac-Sins Entido

Abierta la convocatoria de la II Muestra de Artistas Independientes en Gijón, con el apoyo del Museo Barjola

21/9/12

Margalida Escalas a Binissalem

Inauguració 21 de setembre a les 21.30h

Fins al 31 d'octubre a Can Gelanbert

Cis Lenaerts al MACE



Notícia del Diario de Ibiza

laura ferrer arambarri | ibiza ­La presentación de la carpeta 'Catorce retratos de mujer', de poemas de Antonio Colinas y obra del pintor Cis Lenaerts, abre hoy a las 19.30 horas en el MACE el ciclo de lecturas poéticas que también traerá a la isla al madrileño Luis Antonio de Villena (el 28 de septiembre) y al mallorquín José Carlos Llop (el 5 de octubre). El ciclo ha sido coordinado y concebido por el también poeta Enrique Juncosa, comisario de la muestra Flanagan-Barceló, quien además moderará las dos últimas lecturas.
Los 25 ejemplares de 'Catorce retratos de mujer', editados por H. Jenninger/2012, combinan la imagen y la palabra de estos dos creadores, ante todo amigos. «La voluntad de hierro y la ilusión de Cis ha hecho posible esta obra», subraya Antonio Colinas, que recuerda que hace tiempo que tenían muchas ganas de colaborar. 
«Empecé a escribir estos retratos de mujeres en 2011 y le envié un primer bloque a Cis, que le entusiasmó. Este proyecto le ha animado y ha sido un reto porque ha tenido muchas dificultades para pintar y trabajar con las manos», afirma Colinas, que insiste en que la presentación de hoy «es un gran homenaje a Cis Lenaerts». Así, la delicada salud del pintor le impedirá acudir hoy al acto, pero Colinas subraya que este proyecto le dará otras alegrías «ya que los cuadros originales se expondrán en Ibiza y muy posiblemente en Salamanca en una fecha todavía por determinar», avanza. La editora también tiene previsto sacar una edición en alemán. 
Colinas recuerda que los poemas de 'Catorce retratos de mujer' se incluyeron en la parte final de su 'Obra Poética Completa', de la editorial Siruela. «El proceso de preparación del proyecto con Cis coincidió con la edición de la obra completa, por ello decidí adelantarlos en esta edición. Pero, como obra gráfica y artística, son inéditos», remarca. 
El tema central de los poemas es la mujer, un referente crucial en la obra de Colinas. «Detrás de todo tópico hay una gran verdad que es el eterno femenino. La mujer tiene un significado múltiple, es la amada, la amiga, la hija [uno de los poemas está dedicado a Clara Colinas]... La mujer representa la tierra, lo telúrico. Son poemas en la idea dantesca de la mujer como ideal de verdad y belleza, aunque también hay dolor y un desenlace final con la amada, que da en cierto modo solución a todos los planteamientos anteriores», explica el autor. 
El retrato de mujer más simpático y sorprendente es el que Colinas hace de la cantante Soraya, con la que coincidió en un avión que salía de Ibiza. «El poema retrata lo que ocurre en un vuelo cuando entra un famoso. En este caso he de decir que se comportó con gran educación, no es nada diva», subraya.
El ciclo, que presentaron ayer la concejala de Cultura, Lina Sansano, y la directora del MACE, Elena Ruiz Sastre, continuará con Luis Antonio de Villena. La obra de este poeta y escritor madrileño ha publicado, entre otras obras, 'Desequilibrios' (2004), un libro de sonetos, o 'La prosa del mundo' (2007), poesía en prosa que tuvo una edición ampliada dos años después.
Por su parte, el mallorquín José Carlos Llop cierra el ciclo el 5 de octubre. Sus últimas obras son 'Cuando acaba septiembre', de poesía, y 'En la ciudad sumergida'.

La anécdota
CONEXIÓN INESPERADA 'Cabeza de la diosa entre mis manos'
A Colinas le hace ilusión que la lectura coincida con la exposición en el MACE de obra su gran amigo, el fallecido Barry Flanagan, que esculpió 'Cabeza de la diosa entre mis manos' inspirándose en un poema de Colinas que leyó en inglés muchos años antes de conocer al poeta personalmente.

"Color Name Survey" Un projecte de possar noms a tots els colors.

A través del bloc de xkcd.

Color Name Survey

I'd like your help for a color name survey! The survey shows you colors, and you type a name (word or phrase) you might use for that color. The names can be as broad or specific as you want. The survey is here:

http://aram.xkcd.com/color/

My friend Elizabeth (relsqui on #xkcd) wrote the frontend. I'm doing the analysis, though I won't go too deeply into the details or purpose (to the extent that it has one) for now so as not to bias peoples' answers. Of course, RGB is a small and relative color space which varies depending on the device displaying it, so this survey has its limits, but it's produced some cool data so far.

If any of you want to help, you can fill out a few quick questions (don't worry if you don't know the answers—they're highly optional and just help with calibration) and then come up with color names. There's no end to the survey; the more you answer, the better the data. Thanks!

19/9/12

Aplaudida acció reivindicativa de l'AAVIB a la trobada de l'ACCAIB a Es Baluard.

Aquí podeu veure les Imatges de l'acció reivindicativa de l'AAVIB a Es baluard durant la trobada de l'Associació de Comisaris i Crítics d'Art de les Illes Balears celebrada a Es Baluard.







NIT DE L'ART A Cúbic Art: M.Gómez del Cerro, Alícia Llabrés, Mariano Mayol i Tatiana Sarasa.

NIT DE L'ART PALMA


El próximo jueves 20 de septiembre inauguramos una exposición colectiva en Cúbic-Art,a partir de las 20.00h Permanecera abierta hasta 22 de octubre. 
Cúbic-Art C/ Les Caputxines 4 07003 Palma

Artistas de l'AAVIB: 

M.Gómez del Cerro, Alícia Llabrés, Mariano Mayol i Tatiana Sarasa.


INACABAT O UN FINAL INCERT
"El cuadro no es pensado ni fijado por adelantado: mientras se hace sigue la movilidad del pensamiento. Una vez terminado, cambia aún más,
según el estado de quien lo mira. Un cuadro vive su vida como un ser vivo, experimenta los cambios que la vida cotidiana nos impone. Esto es lógico,
ya que un cuadro sólo vive gracias a quien lo mira."
Christian Zervos, Conversation avec Picasso, Cahiers d'art, 7/10 Paris, 1935,
El camino que inicia el artista cuando da el primer paso hacia su obra, no tiene fecha de fin, muchas veces, ni siquiera sabe si va a tener final. El artista, tampoco sabe si ese camino se mantiene único, se divide o se vuelve pedregoso.
Cúbic Art, en su exposición INACABAT, reflexiona sobre ello en una exposición colectiva, donde comparten camino: Biel Bover, M.Gómez del Cerro, Mariano Mayol, Alícia Llabrés, Tatiana Sarasa y Pere Serra . 

Todos, ofrecen su obra como una herramienta de reflexión sobre el proceso de creación artística, sobre el camino que anduvieron cada uno de ellos durante la elaboración de su obra.
Ahora le toca al espectador continuar ese camino, introducirse en él y ser partícipe de cada obra, quizá pueda ver en ella nuevas vías que descubrir.

Ali Domínguez
Palma septiembre 2012

18/9/12

LLUC FLUXÀ ESPAI H.C. - ERROR UNIVERSAL de JAUME OREJUELA

NIT DE L'ART PALMA

LLUC FLUXÀ - ESPAI H.C.
ERROR UNIVERSAL de JAUME OREJUELA + info


Dijous dia 20 de setembre - 19,00 h.






















Alicia Framis

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La artista inaugura hoy en El Corte Inglés de Palma una videoinstalación y prepara una performance para el jueves

Anti_dog, una pieza ya casi mítica de Alicia Framis (Barcelona, 1967), se presenta por primera vez en Palma de Mallorca esta semana, de la mano de El Corte Inglés y Es Baluard. Una performance de denuncia contra la violencia de género que, desgraciadamente, no ha perdido actualidad con los años. Una obra, además, que se reinventa y se transforma según el lugar en el que se exhiba. Aquí, una videoinstalación montada en uno de los escaparates de El Corte Inglés anticipa lo que pasará el jueves delante de este centro comercial. Aprovechamos su viaje a España para charlar con la artista que prepara una retrospectiva, Framis in Progress, que tendrá lugar en varios centros europeos.




Pregunta.- Vuelve con una de sus performances casi mítica, ¿qué aporta la performance a su trabajo?

Respuesta.- La performance es para mí la esencia del arte, algo que se disfruta y se entiende en un contexto determinado, en un espacio preciso, y en el que el espectador ya no es espectador, si no que también forma parte de la pieza.




P.- ¿Cree que la performance acerca el trabajo al espectador o, más bien al contrario?

R.- Creo que no es importante si es performance, dibujo o pintura lo importante es que la obra tenga algo que decir, cómo lo hace es lo de menos. No importa el medio sino el mensaje, el concepto que hay detrás.




P.- ¿Qué quiere expresar en Anti_dog?

R.- Anti_dog es un grupo de acciones que realicé entre 2002 y 2003 con las que denunciaba la violencia hacia las mujeres, y que todavía es un tema muy candente. Para ello estudie las manifestaciones y vi que en si eran siempre iguales, y que quizás podría crear un tipo de manifestación distinta. En este caso es una mezcla de moda, tecnología y denuncia social.




P.- Son trajes para defenderse, ¿de qué se defiende Alicia Framis?

R.- Yo me defiendo de la mezquindad.




P.- Y el arte, ¿ha de defenderse de algo / alguien?

R.- El arte ha de ser autónomo, ya que es el único refugio donde el artista es libre de decir y hacer lo que quiere. Los artistas nos defendemos de los intereses egoístas de los comerciantes de arte.




P.- Ha llevado esta performance que presenta el jueves en Es Baluard a varias ciudades desde su estreno en 2002, ¿cómo se adapta al lugar? ¿Se transforma de algún modo?

R.- Sí, en cada ciudad es diferente, por ejemplo en Madrid estuvimos delante del Reina Sofía, pero en Helsinborg vagamos por la calle pidiendo más luz en las calles para las mujeres, y en Amsterdam estuvimos delante del campo de futbol del Ajax. Cada ciudad pide un espacio y un ritmo diferente.




P.- Además, muestra una videoinstalación en uno de los escaparates del Corte Inglés, ¿de cuál se trata? ¿Qué aporta al proyecto?

R.- En el vídeo Anti_dog de Amsterdam se ve a las chicas en medio de un río de hooligans pasando y tocándoles…, cuando el transeúnte de Palma de Mallorca vea el vídeo en el Corte Inglés primero pensará que es de moda, porque los vestidos son llamativos, pero cuando se dé cuenta de la situación peligrosa de las chicas que llevan los vestidos Anti_dog se sorprenderá.




P.- ¿Cómo funciona la pieza en este espacio?

R.- El vídeo es una llave de acceso a la performance que se va a celebrar el jueves delante del Corte Inglés.




P.- ¿El arte buscar nuevos espacios de aproximación al espectador?

R.- Sí. Para el arte, desde los años 70, el contexto es muy importante, y sobre todo el deseo de los artistas de influir en la vida de las personas.




P.- ¿Tiene que ver la crisis, y sobro todo la crisis de la galerías, con este nuevo uso de ciertos de espacios para el arte?

R.- No, creo que la galería tiene una función importante que es creer en sus artistas, crecer juntos, formar parte de una misma generación, es una plataforma para el intercambio de ideas para los artistas, y un medio de divulgar el trabajo artístico, pero el espacio público es para muchos artistas mucho más interesante para desarrollar un trabajo de acuerdo con la sociedad en la que vivimos. El problema de las galerías es que se tienen que renovar profundamente y no lo hacen.




P.- Rosa Martínez prepara una exposición en CaixaForum Barcelona bajo el título ¿El arte es necesario para vivir?, ¿lo es?

R.- Claro, este invierno estuve en la América profunda, donde sólo hay estaciones de gasolina, moteles, y nada de cultura, y te digo que la vida sin un cine, un libro, un dibujo, es realmente devastadora. Un empobrecimiento para la sociedad.




P.- Instalada en Ámsterdam desde hace tiempo, no ha dejado de trabajar aquí, ¿es mejor mirar a España desde fuera?

R.- Vuelvo a España a menudo por familia y por trabajo, pero decidí hace tiempo vivir como inmigrante, como parte de una búsqueda personal, de descubrir nuevas maneras de pensar y de hacer, aunque, como digo, me gusta volver a mis orígenes, me da paz y estabilidad.











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16/9/12

Los niños y el arte en dOCUMENTA 13 | Cultura | DW.DE | 14.09.2012



http://www.dw.de Jochen Kürten/ Cristina Papaleo

Una excursión distinta entusiasmó a los niños de una escuela primaria en las cercanías de Kassel. Con cuatro maestras y algunas madres, los chicos se dirigieron a explorar el mundo del arte en la dOCUMENTA 13, la mayor exposición de arte contemporáneo que se celebra cada cinco años en esa ciudad. Más exactamente al salón Studio D13, donde se realiza el programa para niños y jóvenes.

El arte, no solo para adultos


Miradas atónitas y creación propia en la dOCUMENTA 13.La dOCUMENTA 13 ofrece talleres para niños y jóvenes de 6 a 18 años en los que recorren la exposición durante tres horas junto a los Wordly Companions, mujeres y hombres de diferentes profesiones que guían a los visitantes.

Los niños comienzan a elaborar sus propias obras de arte, hechas de cartulina, madera, piedras, pegamento y papel crepé, bajo la guía de una de las maestras, Fee Marschang. Luego, a la entrada del Fridericianum, el edificio del museo que alberga a la dOCUMENTA, se topan con gente que acampa allí para protestar contra la injusticia en el mundo. Algunos son punks, otros malabaristas, y gente joven que, además de manifestarse, forman parte de un gran happening artístico en medio de la ciudad.

La piedra en el árbol y una vaca que no hace "muuuuu"

La primera obra de arte famosa que ven los chicos es "Idee di Pietra", una escultura de casi nueve metros de alto del artista italiano Giuseppe Penone, que representa a un árbol de cuyo ramaje cuelga un gran bloque de granito. Los niños se preguntan cómo es posible que una piedra haya llegado hasta la copa del árbol. Al acercarse, se sorprenden al ver que no es de madera, sino de bronce. Golpean la escultura con las manos, para cerciorarse, y, cuando están a punto de trepar por el tronco, una de las maestras los aleja de allí. Después de todo, se trata de una obra de arte.

La muestra es un gran parque de diversiones para los más pequeños.

En otra estación de su recorrido por la exposición, los niños tienen la posibilidad de conocer de cerca los sonidos que hacen los animales en distintos idiomas, una idea de la artista iraní Natascha Sadr Haghighian. Los pequeños atraviesan un sendero a lo largo del cual se oyen diferentes sonidos de animales. "¿Adónde está la vaca?", pregunta el pequeño Lukas, de seis años. La maestra le explica que la artista concibió esta instalación de sonido bajo la premisa de que las voces de los animales suenan diferente en cada idioma.


Un final con misterio

El cierre del taller de arte para niños y jóvenes en la dOCUMENTA 13 conduce a los más chicos hacia un lugar oscuro y enigmático. Los niños se preguntan qué hay allí, y están muy ansiosos por saberlo. La instalación es un espacio del artista germano-británico Tino Sehgal en el que bailarines y cantantes se mueven en total oscuridad. La idea es despertar la percepción conciente de los visitantes, un desafío para todos los sentidos.


Cansancio y alegría después de visitar la dOCUMENTA 13.

Para los niños, esto es especialmente emocionante. Para algunos de ellos, incluso una experiencia demasiado fuerte. Algunos lloran, ríen a carcajadas, o tienen miedo. Pero hay otros quieren volver a entrar. Un gran desafío también para la maestra, que los contiene y explica de qué se trata el experimento artístico, todo un laboratorio de las emociones humanas. Después de tres horas de puro arte e impresiones que, seguramente, quedarán grabadas en su memoria, los niños están cansados pero contentos de haber pasado ese día en la dOCUMENTA 13, mucho más divertida que la escuela.

Autor: Jochen Kürten/ Cristina Papaleo

Editor: Enrique López

Pau Faner provoca las carcajadas en las Converses Literàries de Formentor -Menorca.info



Notícia a menorca.info.

El escritor Pau Faner suscitó ayer las carcajadas del público con su breve y divertida intervención en las Converses Literàries que se iniciaron el viernes en el incomparable marco del hotel Barceló Formentor. Presentado por su colega mallorquín Gabriel Janer Manila, como "un caso aparte", y en compañía de Fernando Savater y Olga Merino, el novelista ciutadellenc expuso su personalísima visión sobre "Pícaros, bufones y rufianes: entre el Lazarillo, Falstaff y Sancho Panza", el tema de su tertulia.

Un total de doscientas cuarenta y dos personas, mujeres por abrumadora mayoría, están inscritas como público de estas quintas Converses Literàries de Formentor que en esta edición, que concluye hoy domingo, buscan reflexionar sobre los personajes literarios.

Como señala Basilio Baltasar, director de la Fundación Santillana, una de las organizadoras del evento, las criaturas de las novelas "han sobrevivido a sus autores y hecho un largo camino desde los remotos tiempos de su invención. Edipo y Ulises, por ejemplo, nos han acompañado a lo largo de los siglos y no parece que su ejemplo vaya a desfallecer. De generación en generación su figura estimula la imaginación de los lectores y confiere a su vida un significado más alentador del que tendría si se las hubieran tenido que arreglar solos y por su cuenta. Los grandes personajes literarios han llegado a tener sobre nosotros una poderosa influencia".

La costa norte mallorquina anda pues estos días poblada de estas gentes un tanto raras que corren por las novelas y que, sin embargo nos acompañan a lo largo de la vida y la lectura. Por allí andan Helena de Troya y Madame Bovary, en compañía de Ulises, Don Quijote, el capitán Ahab. Y entre ellos se encuentran escritores como Jesús Ferrero, Carlos García Gual, Cristina Fernández Cubas, Ana Maria Moix, Carme Riera y Marta Sanz, entre otros, que tratan de explicarse por qué nos gustan tanto esos seres de ficción cuyos fantasmas internos, como dice Umberto Eco, llegamos a conocer mejor que a los de nuestros familiares más cercanos.

Entre tanto ente real y de ficción, no es raro que el "caso aparte" anduviese algo confundido y contara que la noche del sábado se despertara de un largo sueño poblado de pícaros, bufones y rufianes. Pau Faner dijo que quizás se debiera a la opulenta cena pero creyó despertar sintiendo un estudiante de veinte años que al día siguiente va a examinarse de la picaresca. Sin embargo, se miró al espejo y vio allí un hombre de más de sesenta años.

En el divertido episodio onírico que relató entre las risas del público, el autor de "El cant de l'Alosa", se encontró en su cama junto al Lazarillo, Sancho Panza y muchos otros de su misma calaña. También estaba Falstaff, el personaje creado por Shakespeare, pero encarnado por el barítono de mi pueblo, llamado Joan Pons.

En su pesadilla nocturna, Pau Faner se encontró también con Quevedo y Góngora quienes le invitaron a saltar por encima de un pino de Formentor. El escritor, según dijo, fracasó en su intento, pero se ganó los aplausos y las carcajadas del público que premiaron su picaresca intervención.

Sin perder el tono humorístico, pero con algo más de seriedad Olga Merino y Fernando Savater dieron su propia visión sobre el tema del debate. La primera contó muy brevemente la terrible situación en que se encontraba España cuando surgió la novela picaresca en la que los hidalgos rechazaban los trabajos manuales y el resto de la gente también prefería comer sin trabajar.

Savater habló en su intervención del humor y contó que está en el origen de la Literatura, recordando que Vladimir Nabokov decía que ésta surgió cuando un pastor hizo creer a los habitantes de su pueblo que venía el lobo, cuando eso era mentira.

En el turno del público, varias personas compararon la situación actual con los tiempos que describen Lázaro de Tormes y El Buscón y lamentaron la impunidad que parecen disfrutar los corruptos y los principales culpables de la crisis.

Una crisis que aprieta pero no ahoga porque aún es posible que gracias al patrocinio del Govern balear, Barceló Formentor y la Fundación Santillana, quede aún espacio para interesantes debates culturales y continuar aquella iniciativa que se celebró por primera vez en mayo de 1959 emprendida por Camilo José Cela y que originalmente estaban dedicadas a la poesía.

Han pasado más de cincuenta años, pero la literatura y sus personajes nos siguen dando que hablar.

Exposició de Mercedes Laguens a la galeria Abba art. Inauguració a la Nit de l'Art.

Exposició de Mercedes Laguens a la galeria Abba Art.
Inauguració a la Nit de l'Art. Dia 20 a les 19.00h.

Antònia Oliver: Estudi creatiu.





Antonia Oliver


Què Treballem?

OBJECTIUS:

• Estimular la capacitat de l'alumne a crear i imaginar.
• Fomentar la capacitat d'acte-expressió i autoestima.
• A trencar amb les idees preconcebudes que tenim sobre l'aspecte de les coses.
• Potenciar i facilitar que els alumnes tinguin una millor comprensió de l'Art.
• Aprenguin a entendre i a manejar diferents tècniques plàstiques, materials i suports.

METODOLOGIA:
• Ensenyament personalitzat.
• Aplicar una metodologia de participació i proporcionar recursos fàcils d'aplicar per als alumnes, tenint en compte la seva edat.
• Cada sessió comença amb una introducció teoria, que expliqués com portar a terme el taller practico.
• En algunes ocasions partirem de l'obra de pintors de diferents moviments artístics, que ens serviran per fer tallers sobre les seves obres mes reconegudes.
• Els tallers seran individuals i en grups de treball.
• En finalitzar el treball es reflexiona i comenta en grup, participant tots en una sessió de conclusions.

TÈCNIQUES QUE S'IMPARTEIXEN
  • DIBUIX
  • PINTURA
  • ESCULTURA
  • GRAVAT
  • MANUALIDADS




14/9/12

Es Baluard: Encuentro sobre comisariado y crítica de arte

La trobada de l'ACCAIB és a el El Pais



En un momento en que la situación económica pone en peligro el funcionamiento del sector de la cultura, resulta especialmente necesario dar a conocer el papel de los profesionales que contribuyen a hacer posible que el trabajo de los artistas y creadores esté presente en nuestra sociedad. Con este objetivo, la Asociación de Comisarios y Críticos de Arte de las Illes Balears (ACCAIB) organiza este primer encuentro en el cual algunos de sus miembros expondrán al público las diferentes vertientes del comisariado y la crítica de arte contemporáneo, así como los retos a los que se enfrenta en el contexto actual. Un encuentro que propone un diálogo con el público y ofrece la posibilidad de conocer en profundidad una tarea a menudo poco comprendida.

Las intervenciones del encuentro serán en castellano y catalán.

HORARIOS

20:00h - Bienvenida y presentación - Pau Waelder, presidente de ACCAIB.
20:10h - "Can Marquès: una experiencia privada y particular" - Nieves Barber, directora de Can Marquès Contemporáneo.
20:30h - "Usos y formatos de la crítica de arte" - Asun Clar, crítica de arte.
20:50h - "(Des)ubicando el arte" - Fernando Gómez de la Cuesta, comisario y crítico de arte.
21:10h - "La dona i la crítica d'art" - Georgina Sas, comisario y crítica de arte.
21:30h - "El comissariat com a experiència didàctica" - Jordi Pallarès, educador visual y comisario independiente.
21:50h - Turno abierto de preguntas.


PRECIOS E INSCRIPCIÓN
Entrada gratuita.

Jeff Koons expone en un hospital psiquiátrico con uno de los pacientes - Terra Mobile Perú


Notícia a Terra.

Jeff Koons expone en un hospital psiquiátrico con uno de los pacientes
El polémico artista estadounidense Jeff Koons muestra cuatro de sus obras en un hospital psiquiátrico de la capital portuguesa, junto a las creaciones de un desconocido interno del centro, en una peculiar exposición denominada "31/2".
Koons es el primer artista internacional que participa en una de las exposiciones organizadas por el Centro Hospitalario Psiquiátrico de Lisboa, que en anteriores ocasiones ha presentado obras de sus pacientes junto a las de reconocidos nombres portugueses como Eduardo Souto de Moura, premio Pritzker de arquitectura en 2011.
Jeff Koons, autor del "Puppy" que recibe a los visitantes del museo Guggenheim de Bilbao (España), accedió a ceder algunas de sus obras tras contemplar el trabajo de uno de los internos del psiquiátrico lisboeta, José Ribeiro.
Entre las obras de ambos -el paciente sin trayectoria alguna en el arte y el creador internacional- se pueden encontrar similitudes, según el organizador de la muestra y profesor de artes plásticas del centro, Sandor Resende.
Ribeiro "hace autorretrato y trabaja mucho sobre arte erótico y pornográfico", agrega el docente, dos características que coinciden con la obra del estadounidense, uno de los artistas vivos más caros del mundo.
La curiosa ligazón entre los dos se hace patente en una de las dos piezas que el interno, de mediana edad, aporta a la muestra, situada en el pabellón 31 del psiquiátrico y que permanecerá abierta al público dos meses.
La pieza es una ambulancia transformada de forma similar al automóvil deportivo de la carrera de las 24 Horas de Le Mans que Koons convirtió en uno de sus iconos.
Ribeiro lo ha decorado con motivos fálicos, que se repiten también en la otra obra que expone el enfermo, un cuadro de grandes dimensiones.
El norteamericano, por su parte, aporta a la muestra cuatro autorretratos fotográficos -valorados en más de 160.000 euros- que pertenecen a la serie "Art Magazine Ads" realizada entre 1988 y 1989.
En ellos se muestra al artista rodeado de mujeres, focas, cerdos y en una clase con niños.
La exposición del hospital psiquiátrico forma parte de una serie de exhibiciones organizadas para dejar patente la capacidad artística de los internos y ponerla a la par de las obras de artistas reconocidos, según el profesor que se encarga de ellos desde hace trece años.
Según el ministro de salud portugués, Paulo Macedo, que acudió a la inauguración de la muestra, la exposición ya es destacable por el valor estético del "diálogo" entre de Koons y el artista local.
Pero además, sostuvo, este tipo de actividades en un centro hospitalario "abren sus puertas" y ayudan a los enfermos.

La Fundació Miró vincula gastronomía, arte y música por el cáncer de mama - Diario de Mallorca



Diario de mallorca

La Fundació Miró vincula gastronomía, arte y música por el cáncer de mama

lara villar palma. Deleitarse el paladar, al tiempo que la música de Wonderbrass o Dj Rigo marca los ritmos de un ambiente en el que la inventiva de Miró se torna protagonista a través de su exposición permanente, Camps creatius. Y todo ello con un objetivo benéfico: recaudar fondos para una asociación que fomenta la investigación del cáncer de mama. Este razonamiento es el que ha llevado a la Fundación Miró a colaborar "aunque no es lo habitual" –explica su directora, Elvira Cámara– con Un Lazo en Movimiento (Ulem), que financia proyectos de investigación y psicosociales para mejorar la calidad de vida de los enfermos y sus familiares. Por ello, el próximo viernes 14 de septiembre tendrá lugar por vez primera en la Fundación una "celebración rosa de septiembre" bautizada como Pinktember en la que además se sortearán dos obras gráficas "editadas" en los talleres de la Fundación y cuya relación con los artistas es "muy estrecha", apunta Cámara.

Así las cosas, la serigrafía, litografía, litografía offset y collage sin título (1999) de la mallorquina Dolores Sampol (70x50 cm) será sorteada junto con la obra también sin título (2000) de Esteban Villalta. El valor de mercado es de 400 y 450 euros respectivamente.

El regidor de Cultura, Fernando Gilet, quiso agradecer la implicación de los colaboradores que, de forma desinteresada, han participado en la cita. "Esperemos que sea un éxito", reconocían Cámara y Linda Breevaart, presidenta de Ulem.

Artmallorca de Francisca Llabrés presenta una nova exposició

Artmallorca té el plaer de convidar-vos a la propera inauguració de l'exposició de l'artista Joan Carrió

VINTAGE.

Espai Artmallorca de C\ Missiò nº 26 Palma

Inauguració
20 de setembre "Nit de l'Art" a partir de les 19 hores
Serà un plaer comptar amb la vostra presència.

Francisca Llabrés M 635 036 183
artmallorca, art, perfums i joies

C\ De La Missiò nº 26
Palma de Mallorca, Baleares

ADDAYA CENTRE D'ART CONTEMPORANI: Andrés Senra - Artista en residencia actual

ADDAYA CENTRE D'ART CONTEMPORANI
ALARÓ / MALLORCA
/CASTELLANO/
ARTISTA EN RESIDENCIA ACTUAL

Septiembre de 2012
ANDRÉS SENRA






Ochenta lágrimas de Gordiola en la Seu para despedir al obispo Murgui | Baleares | elmundo.es


El Mundo es fa ressò d'aquesta notícia.

Una despedida por todo lo alto y que deje huella en el gran templo de la Iglesia en Mallorca: la Catedral. Ésa parece ser la intención del obispo Jesús Murgui con el nuevo proyecto artístico que prevé para la Seu. Una gran instalación del desconocido creador algaidí Jaume Falconer que funcione como un tributo a todos los santos mallorquines. Ochenta lágrimas de cristal de Gordiola ensartadas en una base de metal, sobre las que Patrimonio decide ahora si son demasiado contemporáneas para un edificio del siglo XIII y declarado Bien de Interés Cultural.

El prelado es el alma mater de este proyecto, que servirá como despedida de su mandato en la isla y que prevé ser instalado en una de las capillas laterales del templo. Previsiblemente en la conocida como capilla dels Vermells, la primera a la que accede el visitante desde el portal de La Almoina.

Este periódico contactó ayer con el creador algaidí, que declinó hacer ningún tipo de declaraciones alegando que el proyecto aún estaba en una fase inicial. Sin embargo, el departamento de Patrimonio del Consell recibió el pasado lunes el informe completo y la solicitud para esta instalación, como ocurriera con la de Barceló.

Su instalación con motivo del Año de la Fe está prevista en la Capella dels Vermells


De nuevo, al tratarse de un edificio catalogado como Bien de Interés Cultural será la comisión de este área la encargada de dar, o no, su aprobación. "Hay que tener en cuenta varias consideraciones. Entre ellas, el problema de conservación previo de la propia catedral", apuntan desde Patrimonio.

Los técnicos analizan el sentido litúrgico de la obra, aspecto sobre el que no planean dudas ya que la intervención de Falconer conmemora el Año de la Fe. Sin embargo, según ha averiguado este periódico, la vertiente artística y estética de la obra no ha convencido, de entrada, a los expertos, que velan por la coherencia del conjunto.

"No es un regalo de Murgui a los mallorquines", sentencian fuentes cercanas al obispo. Sino una alegoría y un homenaje a todos los santos de Mallorca. A diferencia de la intervención en la capilla del Santísimo que Barceló concibió como un revestimiento cerámico, la de Falconer –tal y como está proyectada sobre papel– será un conjunto escultórico con una gran estructura de hierro diseñada por el propio artista mallorquín. Sobre ella, igual que sobre la propia pared, penderán ochenta piezas de vidrio realizadas por la fábrica Gordiola.

El nuevo 'inquilino' de la Seu haría sombra a Barceló, último en intervenir

Para los cristales –que tienen forma de lágrima– se han necesitado dos hombres en el complicado proceso de soplado. Cada pieza tendrá unos 80 centímetros de altura y 20 de ancho, lo cual da una idea de la magnitud de la intervención. "Todas están teñidas en un color azul que hemos conseguido después de añadir minerales", explican desde la compañía.

El creador protagonista de esta iniciativa, Jaume Falconer, ya había colaborado en diversas ocasiones con el Obispado de Mallorca. Su trabajo más destacado es Creu de creus: un monumento de 54 cruces –con forma de árbol– que se colocó en Randa el pasado año con motivo de las Jornadas de la Juventud. Otra colaboración sonada fue el diseño del montaje que preparó, también en 2011, para la exposición de los lechos de Mare de Déu Morta en el Museo Diocesano.

En su taller de Algaida permanece por ahora la escultura, aunque el creador ya ha estado estos días estudiando su posible ubicación en la Seu. Pese a que técnicos de Patrimonio analizan ya el proyecto, fuentes del Consell aseguran que la valoración no estará lista para la despedida oficial de Murgui. El obispo –que el pasado lunes se reunió con la presidenta insular, María Salom– oficiará el próximo 23 de septiembre una misa en la que dirá adiós a sus feligreses.

Falconer, ajeno a los círculos artísticos, sucede a Miquel Barceló a la hora de intervenir en la Catedral y supera a Joan Miró, rechazado en su momento por la curia. Sí lo logró Antoni Gaudí con el baldaquino y las detalles modernistas del altar mayor.

Murgui, conocido por su discreción y sus escasas apariciones públicas, apostaría así por establecer un diálogo con la modernidad en un templo gótico teniendo como aliado a su artista de referencia.

Según la propia página web de la Catedral, la capilla dels Vermells está presidida en la actualidad por una pintura de la Purísima, obra de Guillem Mesquida y fechada en 1740. Una pieza que sirvió para cubrir en algunas ocasiones la imagen central del retablo. Fuentes cercanas a la Catedral aseguran que el proyecto de Falconer es flexible y que podría sufrir varias modifcaciones para adecuarse a las necesidades del templo.

Sea como sea, antes de poder conmemorar el Año de la Fe con las lágrimas de Falconer, el Obispado deberá pasar el examen de Patrimonio y sus técnicos no entienden de actos de fe.

Institut Ramon Llull – Trobada professional amb els comissaris Manuel Segade, Shiri Shalmy i Virginia Torrente





L'ACCAIB ens fa arribar aquest missatge per a tots els socis de l'AAVIB.

L'Institut Ramon Llull vos convida a una trobada professional amb els comissaris internacionals Manuel Segade, Shiri Shalmy i Viginia Torrente, invitats per l'IRL a la Nit de l'Art'12.

Presentació dels comissaris a càrrec de Pau Waelder, president de l'ACCAIB.

19 de setembre, a les 20.30 h
C/Protectora, 10 (local 11)
Palma
Després d'aquest acte els artistes que ho desitgin podran deixar un dossier de la seva obra en suport DVD.


ACCAIB_
Associació de Comissaris
i Crítics d'Art de les Illes Balears

e-mail: accaibmail@gmail.com
web: http://accaib.blogspot.com


El jardín de esculturas de La Residència de Deià suma una pieza de Betty Gold

Notícia sobre la nova incorporació a l'Sculpture Garden publicada a l'Ultima Hora.

N.jiménez | Deià | 13/09/2012
Las velas que surcan las aguas del mar Mediterráneo inspiraron a la artista norteamericana Betty Gold para dar forma a unas esculturas que, hoy en día, residen de forma permanente en enclaves de Sóller (Can Prunera), el Port de Sóller o en la carretera de sa Pobla. Otra de las velas de Gold 'navegará' en el Sculpture Garden de la Residència de Deià. Con esta nueva incorporación, este jardín de esculturas que dirige Juan Waelder celebrará su primer aniversario. La inauguración será este domingo, a partir de las 17.00 horas.

La pieza, de tres metros de altura, realizada en bronce y bañada en color blanco, representa «algo que amo de Mallorca, su mar, sus velas y su entorno, maravilloso y muy inspirador», confiesa Gold. La escultura se sumará a las más de 40 piezas que residen en el citado jardín, firmadas por, entre otros, Miquela Vidal, Stefan Ludgren, Rafa Forteza, Ferran Aguiló, Joan Costa, Patrick Guino o la propia Gold.

La escultura de Betty Gold está cargada de «una gran energía», la misma que la artista recibe de la Isla. «Mallorca está llena de energía que te empuja a crear arte. Es un lugar íntimo para la creación, algo estupendo, donde lo artístico está muy concentrado y eso siempre es bueno», explica Gold, quien apunta que «las velas forman parte de mi vida mucho antes de llegar a Mallorca. En Los Ángeles también las hay, y muchas. Siempre han estado presentes en mi vida y por eso son tan importantes para mi. Allá donde voy hay velas». «Estoy muy orgullosa y es un honor para mi formar parte de esta gran exposición, muy hermosa y maravillosa», añade.

Futuro

Entre los planes de futuro de Betty Gold figuran su participación en una feria internacional de escultura en Los Ángeles, el día 27 de este mismo mes, y también la inauguración de una exposición de esculturas y pinturas en la Michael Lord Gallery de la misma ciudad bajo el título Backs (Espaldas ).

La bienal de São Paulo se contagia del ‘jogo bonito’ | Cultura | EL PAÍS




Notícia publicada a El Pais.

Mientras que el arte que se exhibe en las bienales ha sido disuelto de oficio, convertido en pasto sagrado de acaparadores e inversores, la de São Paulo posee cierta organicidad efectiva al reivindicar la exigencia de una nueva manera del mirar furtivo. La opción de observar el debilitamiento de la realidad en una estación histórica llena de inestabilidad y dudas pero que abre nuevas vías para la estética, mostrando las posibilidades de la voz individual y la poesía en un mundo objetivo que las niega. Las tres plantas del edificio que desde el 7 de septiembre alberga la prestigiosa bienal latinoamericana, titulada en su 30ª edición La inminencia de las poéticas, tienen una función de exposición, en lugar de oposición y transgresión. En ellas, hasta el gigantismo metropolitano de su entorno se reviste de esa facilidad de los buenos tiempos, que concede al visitante una familiaridad provinciana y una alegría de vivir. Y así, la existencia parece fluir despreocupada y robusta para familias, grupos de estudiantes, ejecutivos, turistas, artistas... En esto radica la orgullosa autonomía de São Paulo en comparación con las otras grandes citas mundiales del arte

Frente a las recapitulaciones culturales, frente al arte de la idea y del activismo, frente al narcisismo de Venecia y Kassel, el jogo bonito de São Paulo concede absolutamente la palabra al visitante, en un rechazo del sistema del arte y de la política, o mejor, del trágico efecto de esa política engañosamente grande y global. El comisario de esta edición, Luis Pérez Oramas, ha articulado una bienal genuinamente latinoamericana, expansiva, caprichosa, joven, errabunda y desacomplejada. Que nadie venga a São Paulo a buscar el objeto votivo para su colección. Aquí no hay tesis, ni están las grandes firmas. Tampoco se les ha concedido a los galeristas el papel de productores, una señal que ha de evidenciar la buena salud del evento. La mayoría de los trabajos seleccionados han sido producidos por la Fundación Bienal de São Paulo.

Pérez Oramas hace un relato del ingenuo submundo de la escritura y del arte y lo articula en una docena de constelaciones de obras que se relacionan entre sí y que hablan un dialecto nuevo, versos honestos y epigonales sobre la sencillez de la vida. Lejos de esa visión fragmentada que se suele dar a la obra del artista en los grandes acontecimientos artísticos, en São Paulo hay una apuesta por los territorios privados. La mayoría de los 111 autores representados exhiben su obra dentro de pequeños cubos blancos, de esta manera se hace más clara la identidad visual de sus trabajos, como cuando uno explora el estudio de un artista. Hay mucha pintura y dibujo, instalaciones, performances y muy pocos vídeos. Sobre las más de 3.000 obras exhibidas se posa el testimonio de una docena de artistas imprescindibles del arte europeo y norteamericano del siglo XX, como una cúpula sobre otra, enviándose mutuamente señales sobre la capacidad del arte de expresar la realidad y los sentimientos. August Sander, Robert Smithson, Allan Kaprow, Absalom, Bas Jan Ader, Leon Ferrari, Arthur Bisbo do Rosario, Bruno Munari, Maryanne Amacher, Ian Hamilton Finlay, Simone Forti, Robert Filliou o Juan Luis Martínez se mezclan con autores anónimos y otros un poco más bregados en estos acontecimientos: Iñaki Bonillas, Benet Rosell, Fernando Ortega, Helen Mirra, Jirí Kovanda, Jutta Koether o Nicolas Paris.

Todo está tejido en una misma trama. Prueba de ello es la cantidad de obras de "puntada subversiva", muchas a manos de mujeres, que aunque en esta edición son más bien escasas, son las que mejor formalizan el opresivo extrañamiento de sus mundos particulares. Junto a Helen Mirra, Elaine Reichek, Gego, Ilene Segalove, Katia Strunz y Sheila Hicks aparece la sorpresa del artista alemán Franz Erhard Walther (Fulda, 1939), quien para esta edición ha ideado unas "ropas colectivas", telas en blanco y negro con formas geométricas que el público puede usar de indumentaria y compartir mediante una danza espontánea.

En esta edición también hay artistas que han conseguido colar sus obritas en pasillos y pabellones. Lo llaman instant art y consiste en que el infiltrado encuentre el "sitio ideal" donde colocar subrepticiamente un dibujo (en la pared, sobre una escultura o dentro de una instalación) y camuflarlo entre el resto de las obras. Con cierta simpatía, hemos observado a estos autores en fragante —y no flagrante— actitud sin alarmar en ningún momento a los centinelas. De tan bien instaladas, seguramente estas obras conseguirán permanecer en sus paraderos desconocidos sin que nada ni nadie las perturbe, hasta el día de cierre de la bienal. Intentar interceptarlas puede ser otro juego divertido, antes de que la cegadora impureza del mercado las convierta en oficiales.

Habitación con vistas a Cristina Iglesias

Inhotim, en el estado brasileño de Minas Gerais, es un inmenso paraje de mata atlántica convertido en Jardín Botánico por el arquitecto paisajista Roberto Burle Marx antes de su muerte, en 1994. Entre las 300 hectáreas de bosque nativo y otras 110 de colecciones botánicas con más de 5000 especies, se exhiben decenas de esculturas e instalaciones de artistas de todo el mundo que forman parte de la colección de Bernardo Paz. Desde su creación, en 2005, la colección de arte contemporáneo de este mecenas y magnate de la minería no ha cesado de expandirse hasta conseguir llevar los focos de la prensa internacional a sus inauguraciones, que siempre coinciden con la apertura de la Bienal de Sao Paulo. El pasado 6 de septiembre se presentaron los nuevos pabellones y espacios dedicados a la obra de los brasileños Tunga y Lygia Pape, el cubano Carlos Garaicoa y la española Cristina Iglesias. De los cuatro, la intervención de la artista vasca, titulada 'Vegetation Room Inhotim', es la que adopta un carácter más específico para el lugar. Se trata de una instalación que incorpora las vicisitudes vividas en el trayecto de acceso al bosque y que cobra su forma definitiva en una estancia cuyo exterior es de acero inoxidable pulido. Una arboladura metálica, un juego de espejos que se intercambian sus reflejos. Nuestra percepción se altera. La morada es profunda y lábil, silenciosa, transparente y opaca, fascinante. Fascinación del agua que fluye bajo nuestros pies sin ocultar nada y escondiendo todo, más insondable que los fondos que exhiben las mareas, reclamando un sutil y taciturno infinito. En esta habitación con vistas incesantes, la arqueología invertida de la naturaleza es una alegoría de la medida flexible que asume el espacio y el tiempo, la amable región infantil donde refugiarse en unos momentos en que todo parece querer desarraigarnos del mundo.